El célebre tenor español Plácido Domingo sumó el sábado un nuevo papel a su repertorio récord interpretando al dios romano “Neptuno” en la fantasía barroca “La isla encantada”, una ópera que tuvo su estreno mundial en Nueva York para la Nochevieja de 2011. Domingo, que el próximo 21 de enero cumplirá 71 años, recibió una calurosa acogida de parte del público presente en la Metropolitan Opera (Met) para esta obra concebida por el británico Jeremy Sams.

“La isla encantada” ha sido promocionada como uno de los platos fuertes de la agenda de la Met en la temporada 2011-2012, que incluye además el ciclo “El anillo de los Nibelungos”, la épica obra dividida en cuatro óperas del compositor alemán Richard Wagner.

En su papel de “Neptuno”, Domingo aparece al final del primer acto en una impactante puesta en escena en el fondo del mar para cantar sobre música inspirada en Handel.

A continuación, entre sirenas y náufragos, canta acompañado por un coro “Había olvidado que era el Señor”, en una parte que retoma una música compuesta por Rameau.

El tenor español vuelve al escenario cerca del final del segundo y último acto para el desenlace de esta ópera que incluye numerosos y muy logrados efectos de animación.

Sams utilizó para la creación de “La isla encantada” la técnica del ¨pastiche” del siglo XVIII, según la cual nuevos libretos eran combinados con música de diferentes obras para dar lugar a una producción inédita.

En este caso, los personajes son extraidos de dos de las obras más simbólicas de Shakespeare, “La tempestad” y “Sueño de una noche de verano”, y la música incluye arias de Handel, Vivaldi y los compositores franceses Jean-Philippe Rameau, André Campra y Jean-Marie Leclair.

Sams explicó en el sitio internet de la Met que creó el papel de “Neptuno” especialmente para Domingo, luego de que el directo general de la ópera neoyorquina, Peter Gelb, invitara al tenor a sumarse a la produccion.

“Peter lo invitó a sumarse a la producción y me preguntó si podía crear un papel para él. Así nació el papel de Neptuno”, contó Sams, agregando que es la primera vez que el tenor interpreta a un dios.

El elenco para el estreno de la ópera incluyó a la soprano australiana Danielle de Niese (“Ariel”) y el barítomo bajo italiano nacido en Venezuela Luca Pisaroni, que interpretó a “Calibán”, personaje de “La tempestad”.

Con “Neptuno”, Domingo (nacido en Madrid en 1941) se afianza como el tenor con más papeles protagonizados en la historia (cerca de 140), en una increíble carrera con más de 3.500 presentaciones.

Considerado por algunos como el mejor tenor del siglo XX, Domingo cumplió en mayo pasado sus bodas de oro en los escenarios desde el debut en la ciudad mexicana de Monterrey en 1961 con “La Traviata” de Giuseppe Verdi.

Precisamente las últimas presentaciones del tenor antes de Nueva York fueron en América Latina, con conciertos en Tlaxcala (México) a fines de noviembre y en el teatro nacional de Santo Domingo en República Dominicana.

Para 2012, Domingo tiene previsto en su agenda actuaciones en Los Angeles (California, EEUU), Sevilla y Madrid, Berlín, Zurich (Suiza), Santiago de Chile y Salzburgo (Austria), según su sitio oficial en internet.

Fuente: AFP / Hagasaselamusica.com

La opereta no podía faltar para cerrar ésta temporada lírica 2011 del Teatro Colón, es por eso que el próximo martes 29 de noviembre a las 20:30horas, subirá La Viuda Alegre al escenario de nuestro primer coliseo bajo la Dirección Musical de Gregor Bühl y la Dirección Escénica de Candace Evans. Las seis funciones programadas se llevarán a cabos los días martes 29 y viernes 2 de diciembre a las 20:30 horas, domingo 4 a las 17:00 horas, miércoles 7 y sábado 10 a las 20:30 horas y la última función tendrá lugar el domingo 11 a las 17:00 horas.

Esta maravillosa opereta en dos actos con música del compositor Franz Lehár y libreto en alemán de Victor Léon y Leo Stein basados en la comedia L’attaché d’ambassade (1861) de Henri Meilhac, narra la historia de Hanna Glawari, una viuda rica cuya fortuna es de gran interés para sus paisanos en lograr mantener su dinero en el principado de Pontevedre encontrándole un buen consorte.

La Viuda Alegre, es uno de los mayores triunfos del teatro musical de todos los tiempos y en ésta oportunidad el escenario del Teatro Colón dará cierre a la temporada lírica 2011 junto a un elenco internacional y nacional de excelencia.

Fuente: Hagaselamusica.com

Imponente puesta de la ópera de Richard Wagner en el Teatro Colón. Lohengrin es el sexto título de la presente temporada lírica en el máximo coliseo de este lado del mundo y como tal no pasó en absoluto desapercibido. Puede ser por su director de escena, Roberto Oswald, quién sorprendió con una cuidada creación llena de simbolismos y una colosal presencia de la iluminación. O por una Orquesta que sonó de manera ajustada de principio a fin en manos del director Ira Levin, logrando por momentos un juego de sonidos en el que los músicos se mudaron, cada vez que fue necesario, del foso a detrás de escena o a los palcos. Brillante creación de Levin con sus músicos para un Lohengrin que dejó mucho más de lo hasta acá expuesto.

El barítono James Johnson fue, por confirmadas percepciones, el mejor intérprete de este “Lohengrin” que tuvo en general varios desaciertos en la interpretación de sus voces. Johnson llevó adelante el personaje de Friedrich de Telramund, un ser noble y honesto que a la sombra de su esposa queda inmerso en la  desgracia, la mentira y la deshonra. El “Telramund” de Johnson es brillante, una voz impecable con una emisión importante y sin altibajos. Es que Johnson es un experimentado intérprete que deslumbra desde hace años en las principales salas líricas del mundo. Un gran cantante y actor, el resultado es claro: un vasto artista profesional dentro de un mundo donde la perfección es el objetivo. Johnson fue la estrella de este “Lohenhgrin” que deja claras deudas en el rol de los cantantes si tenemos en cuenta que Friedrich de Telramund es el tercer papel en orden de prioridad de la obra.

La mezzosoprano Janina Baechle en la piel de Ortrude, esposa de Telramund, llevó adelante su interpretación con deslealtades en la emisión de su voz, cuenta con un buen timbre y volumen considerable pero su tesitura no es estable y a raíz de esto su interpretación fue incontrolable y poco armoniosa. Su caracterización de la hechicera es muy buena pero no fue suficiente en un espacio en el que por sobre todo importa el canto. Una vez  finalizada la obra Janina Baechle no salió al escenario a saludar dejándonos a los presentes la inquietud de “por qué”, si fue por algún motivo personal o para evitar el abucheo del público. Si fuera por esta rechazable práctica pregunto: ¿Quién está en condiciones de abuchear a alguien? Existen ovaciones, aplausos e indiferencia a la hora de premiar a un artista, pero abuchear es como mínimo un signo de mala educación. Dicha devolución no debería existir en un contexto infinitamente valioso como el del arte.

Continuando con los intérpretes de la ópera es justo destacar a un “tímido” Richard Crawley que fue fortaleciendo su presencia vocal a medida que se sucedían los actos. Crawley, quien carece de un volumen considerable, fue de menor a mayor dejándonos muy complacidos con su interpretación de “Lohengrin” que mereció una importante ovación en el final. Su voz, de buen timbre y vibrato igualado en el tercer acto, fue una demostración de importante madurez vocal. Por su parte la soprano danesa Ann Petersen cumplió de muy buena manera el rol de Elsa de Brabante por poseer una importante voz aunque lamentablemente no se conjuga con una buena y constante emisión. Debo decir que su caracterización de Elsa de Brabante me hacía ver en escena a la grandiosa Joan Sutherland ya que su parecido físico era notable. Por momentos me dejaba llevar por su voz y su imagen y era como estar asistiendo a la increíble presencia de la tan recordada diva.

Lohengrin narra la historia de un caballero del Grial e hijo de Parzival que viaja al reino de Brabante a orillas del Escalda, reino de Heinrich I, para defender a la princesa Elsa quien fue acusada por la hechicera Ortrud y su marido Telramund de un crimen que no cometió. Estos personajes protagonizan la historia de Lohengrin de Wagner. El papel de Heinrich I lo llevó adelante el bajo Kurt Rydl quién descolló en su interpretación. Su voz flexible de bajo ligero le da brillo a un personaje justo y noble.

Hay que destacar de la obra en general al dúo de Ortrude y Telramund en el comienzo del segundo acto “Erhebe dich, Genossin meiner Schmach!”, donde el barítono James Johnson y la mezzosoprano Janina Baechle se lucen en un contexto oscuro y perverso muy bien delineado por Roberto Oswald. También es de destacar el dúo de Elsa con Lohengrin del tercer acto “Atmest du nicht mir die süssen Düfte”, con brillantes exposiciones del tenor Richard Crawley y la soprano danesa Ann Petersen. Una mención especial merecen los fragmentos corales, muy presentes en esta obra y a los que Wagner les da un carácter de jurado constante de la acción, de lo que sucede en escena, haciéndolos partícipes de las decisiones. El Coro Estable del Teatro Colón bajo la dirección del maestro Peter Burian no dejo lugar a dudas, fue una eximia e imponente presencia vocal!

Decía que Lohengrin en el teatro Colón no pasó para nada desapercibido y como principal motivo mencioné la puesta en escena de Roberto Oswald. El experimentado reggie quiso con esta nueva puesta de Lohengrin (quinta en su haber de esta obra) llevar a escena una propuesta basada en los símbolos de Lohengrin y su leyenda. Una puesta sencilla que nos da espacio para crear nuestra propia idea de la leyenda del caballero del Grial. “Una presentación minimalista” según su autor que para mí dejó mucho más que el simbolismo y el surrealismo de la idea, dejó la firme sensación de que Lohengrin puede vivir en algún lugar al que todos podemos acceder y a su vez dejarnos llevar al surrealismo de un ser de luz que asiste a la humanidad en pos de un mundo mejor hasta que la realidad se encarga de despedirlo con su crudeza y sádica visión de lo palpable. Nada existe si no lo vemos.

Lohengrin de Wagner fue el sexto título de la presente temporada del Teatro Colón y no pasó desapercibido, tuvo momentos muy buenos y otros no tanto… ¿Acaso no se trata de una obra de Wagner? Un compositor y hombre que nunca resultó inadvertido en vida y no solo por ser un genio de la música. Después de todo, de eso se trata la existencia.

Fuente: Alejandro Villarreal  – Director de hagaselamusica.com

Desde hace más de un año la ópera “Simon Boccanegra” de Giuseppe Verdi recuperó gran relevancia mundial gracias a que Plácido Domingo se puso en la piel del corsario devenido en Dux de Génova. Está claro que el hecho de que Domingo asuma un rol es relevante, pero más aún lo es si ese personaje no pertenece a su registro vocal. El gran tenor se volvió barítono y recorrió los escenarios más importantes con esta “novedad”. Más allá de si Domingo pasó bien o no la proeza de cambiar su registro por esta ópera (luego lo hizo de manera olvidable con “Rigoletto”) lo que en este caso nos atrajo fue el barítono argentino que llevó adelante en la noche del viernes 29 de julio en el Teatro Colón, un Simon Boccanegra brillante, con voz sensible y segura. Omar Carrión paseó la figura del corsario genovés en las tablas del histórico teatro de manera memorable.

La presentación de “Simon Boccanegra” de Giuseppe Verdi en el Teatro Colón fue una verdadera clase de cómo se produce una ópera, “una puesta sin tiempo”. En épocas en las que el género se ve expuesto a grandes aggiornamientos que tienen que ver con lograr mantenerlo vivo en un presente muy competitivo, la puesta en escena de José María Condemi, el diseño de Cameron Anderson y la iluminación de Roberto Traferri fue un verdadero viaje sin tiempo. Por momentos me imagine sentado en ese mismo asiento de la fila 13 pero 80 años atrás y podía jugar a recorrer cualquier año pasado que la puesta hubiese sido la misma. Sentí orgullo y placer de estar asistiendo a una velada de ópera pura y plena, tradicional, con un elenco también sin tiempo y en un coloso donde la historia siempre está presente.

Un elenco importante para una ópera excelente, Verdi logra en su madurez llevar adelante de manera perfecta la refundación de “Simon Boccanegra”. La ubica dentro de las óperas serias y maduras junto a “Don Carlo”, “Otello” y “Falstaff”. Boccanegra es un personaje formidable, un corsario que mata solo dentro del contexto de una batalla, que ama y sueña, perdona y reflexiona. Boccanegra no es más que un hombre que está dispuesto a morir por amor y que sin quererlo llega a ser Dux de Génova justo en el momento en el que quiere ir tras los pasos de su amada muerta. “El quiere una tumba y recibe un trono”.

Simon Boccanegra fue interpretado por grandes barítonos, en el mismo Teatro Colón el gran José Van Dam lo hizo en el año 1995. En la historia mundial recordamos a Tito Gobbi, Lawrence Tibbett, Leonard Warren, Piero Cappuccilli y Sherril Milnes. Éste último, gran barítono estadounidense, lo interpretó en el año 1984 en el Met de manera brillante y mi referencia a esta actuación no es casual. Vi y sentí en Omar Carrión muchas similitudes con Milnes, y más allá de su parecido físico (y de haber tomado clases y cantado junto a él), su voz es digna de resaltar. Carrión es un barítono reconocido y que ha interpretado gran variedad de personajes en su registro por el mundo. Su interpretación de Boccanegra fue realmente importante, su caudal de voz se suma a una gran técnica y una fina vena actoral que le permite ser creíble en cada faceta del personaje. Con Carrión, “Boccanegra” toma vida de manera inolvidable. Bravo por Omar Carrión!

Debo aclarar que el elenco del día 29 de julio era el elenco “secundario” de esta puesta del Teatro Colón, pero de secundario nada tenía. La soprano Virginia Wagner interpretó a María Boccanegra de forma excelente, llegando a puntos muy altos en el dúo junto a Carrión cuando el Dux descubre que Amelia Grimaldi es en realidad su hija María. Gustavo López Manzitti llevo adelante un impecable Gabriele Adorno, es que Manzitti es un gran tenor con presencia escénica y un potente caudal de voz (lamentablemente esto último no siempre va de la mano del lirismo que uno busca en un tenor, el caudal juega de manera peligrosa entre los registros más altos y más bajos pero tratándose del tipo de tenor de Verdi donde el tratamiento de las voces ya no sigue el sencillo principio del bel canto, sino que se profundiza hasta convertirse en una verdadera descripción del alma, Manzitti cumple con creces su actuación). Las voces más oscuras fueron impecables, en primer lugar el bajo venezolano Ernesto Morillo Hoyt intrepretó a un Jacopo Fiesco sin fisuras, con gran versatilidad y manejo en los tonos más bajos. Por su parte el joven bajo-barítono Emiliano Bulacios impactó con una voz fuerte y plena, su Paolo Albiani fue correcto.

La orquesta sonó de principio a fin de manera ajustada, con esta ópera Verdi ha reservado para la orquesta un espacio que no posee ninguna obra italiana de la época y la música siempre tuvo presencia en escena de la mano del maestro Carlos Vieu. El Coro del Teatro Colón es brillante, bajo la dirección de Peter Burian las voces en masa más lejanas y cercanas fueron impactantes, en escena y fuera el coro sonó unánime.

Verdi ha creado con “Simon Boccanegra” una de sus óperas más espléndidas. La melodía fluye con perfecta regularidad desde la primera hasta la última escena; ya no se divide en “números” separados, como sucede en “Rigoletto” e “Il trovatore”, sino que liga cada cuadro formando una unidad completa. “Simon Boccanegra” en el Teatro Colón fue una conexión histórica, una memorable velada de ópera donde la estrella fue el conjunto de voluntades profesionales de la música. Bravo!

Alejandro César Villarreal
Director de hagaselamusica.com

El destacado tenor español José Carreras, ofrecerá un concierto el 5 de octubre venidero, en el Orfeo Superdomo de Córdoba. Así lo anunciaron el promotor José Palazzo y el gerente del Orfeo, Juan Manuel Rodríguez, quienes señalaron que ya están a la venta las entradas anticipadas para el espectáculo, con valores que varían desde los 200 a 800 pesos, adelantándose que en total habrá 8.000 lugares habilitados. En la ocasión, Carreras, estará acompañado por la Orquesta Sinfónica de Córdoba.

Josep María Carreras, de 64 años, basa sus interpretaciones en obras de Verdi y de Puccini, y alcanzó su máxima popularidad conformando el grupo de “Los Tres Tenores” junto a Luciano Pavarotti y Plácido Domingo.

Además, Carreras es conocido por su labor humanitaria a través de su fundación de lucha contra la leucemia “Fundació Internacional Josep Carreras per a la Lluita contra la Leucèmia”, que creó después de recuperarse en 1988 de esa enfermedad.

Más información: http://www.orfeosuperdomo.com/DinoTickets/frmDetallesEspectaculo.aspx?pEsp_id=1663

Fuente: Hagaselamusica.com

Todo lo que tenes que saber antes de ir a ver la opera Il Triptico, para podeer disfrutarla completamente!

Il Trittico (El tríptico) es un trabajo en el que Puccini quería juntar tres óperas para representar una noche. Así resulta Il Tabarro, Suor Angelica y Gianni Schicchi. Basados en historias adaptadas de La Divina Comedia o Comedia de Dante.

El estreno fue en el Metropolitan Opera House en 1918.

Argumentos

Il Tabarro

A orillas del Sena está anclada la lancha de Michele. Luigi, il Tinca e il Talpa, tres estibadores de muelle, descargan los últimos sacos de cemento. Giorgetta, la bella mujer del Michele, les lleva vino para refrescarse. Michele nota que Giorgetta se fija en el joven Luigi, y baila con el estibador. Mientras las modistillas disfrutan de la última canción popular del momento, aparece Frugula, la mujer de Talpa. A despedirse, Liugi promete ir a ver a Giorgetta en secreto al barco por la noche. La señal será la cerilla que ella encenderá en el momento oportuno. Michele sufre recordando pasados tiempos felices. Apesadumbrado, prende una cerilla para encender su pipa. Se oyen pasos en la pasarela del barco, Luigi camina con confianza por la cubierta. Michele le coge y le obliga a confesar. Estrangula a su rival y  coge violentamente a Giorgetta, que asustada asoma por allí, y la arroja sin compasión sobre el cadáver.

Fuente: Aire Puccini

Suor Angelica

La acción se desarrolla en un convento de monjas , a fines del Siglo 17

Acto único

Después de rezar las Vísperas las monjas se reúnen en el patio del convento para el recreo y una a una hablan de pequeñeces que las preocupan. Suor Angélica  confiesa no tener ningún deseo. Una de las hermanas anuncia una visita en el locutorio y dice que ha visto cerca de la puerta una elegante carroza.

Suor Angélica deja el cuidado de las flores y se acerca apresuradamente. Suena la campanilla del locutorio suena. La Abadesa llama a Suor Angélica. Su corazón siente ahora la esperanza que nunca intentó albergar.

Luego de siete largos años, ha venido a verla su anciana tía, austera y rígida. Trae un pergamino que Suor Angélica debe firmar. La anciana princesa tiene para la sobrina, a quien ella misma ha enclaustrado para castigarla por un amor desgraciado, palabras sin misericordia, aún cuando le anuncia que su otra sobrina, hermana menor de Suor Angélica, está por contraer matrimonio.

Pero ésta todo lo soporta, porque sólo desea saber una cosa, dónde está su hijo, el hijo que vio una sola vez y que le fue arrancado de los brazos. La anciana se niega a decirlo, pero la madre, fuerte en su derecho, la obliga.

Al fin sabe la verdad terrible: el niño ha muerto hace dos años. La religiosa cae al suelo sollozando. Luego firma el pergamino sin leerlo, y permanece sola en las sombras del atardecer, evocando tiernamente a su hijito en una desolada plegaria.

El drama humano ha terminado; pero a este drama intenso e irreparable se agrega ahora un último episodio: el milagro.

En un momento de exaltación, Suor Angélica bebe el jugo de una planta venenosa, pero al darse cuenta que ha cometido suicidio y que por ser un pecado mortal no podrá ver a su hijo en el más allá, presa de arrepentimiento, pide clemencia a la Virgen.

Todo cuanto rodea a la moribunda se transforma, ahora, en una visión mística y reconfortante, coronada por la presencia de la Virgen María junto a su niño.

Fuente: Beethoven FM (Chile)

Gianni Schicchi

La ópera se desarrolla en un acto, el día 1 de septiembre del año 1299, en la casa de Buoso Donati en Florencia.

Acto único

Los codiciosos parientes del rico solterón Buoso Donati rodean con hipócrita compasión el lecho en el que éste yace muerto. Corre el rumor de que el viejo ha dejado todas sus pertenencias a un convento de monjes.

Se encuentra el testamento y, por tanto, después de confirmar la sospecha, solamente el astuto Gianni Schicchi puede servir de ayuda. Llega éste acompañado de su hija Lauretta, quien está enamorada de Rinuccio, el sobrino de Buoso.

Lauretta amenaza con suicidarse si su padre no la ayuda a salvar la fortuna y, por lo tanto, la considerable dote que le correspondería.

Finalmente Schicchi encuentra la solución. En la ciudad nadie sabe todavía la muerte de Buoso, por lo tanto Schicchi se viste con las ropas del difunto, se acuesta en la cama en una habitación a oscuras y llama al notario para cambiar el testamento.

A continuación, el falso Buoso dicta el nuevo testamento ante el notario y dos testigos, reparte su fortuna entre sus parientes y deja la mayoría a Gianni Schicchi, lo que produce la ira de la parentela presente.

Después de haber despedido al notario, los engañados herederos quieren atacar a Schicchi, pero éste les echa de la casa ya que ahora le pertenece. Solamente la pareja de Lauretta y Rinuccio se queda feliz junto a él.

Para terminar la ópera, Gianni Schicchi deja la acción y en la tónica de la commedia dell’arte se acerca al borde del escenario y pide al público que suavice con un gran aplauso el castigo que Dante Alighieri, que lo creó, le impuso, mandándolo al Infierno.

Fuente: Beethoven FM (Chile)

Material para ver y escuchar:

IL TABARRO – NICOLA MARTINUCCI & SYLVIA SASS – cantano ” È BEN ALTRO IL MIO SOGNO ”

Leer libretos bilingües (italiano – español)

Il Tabarro

Suor Angelica

Gianni Schicchi

Con excelente criterio, el Teatro Colón continua con su temporada lírica ofreciendo una nueva versión del valioso y original tríptico de Giacomo Puccini, conformado por tres pequeñas óperas en un acto, Il tabarro (El capote), Suo r Angelica y Gianni Schicchi , ramillete caracterizado por partituras de formidable inspiración melódica, maestría incuestionable en lo referente a la técnica de composición y a la concepción del conjunto. Allí, el canto, el discurso sonoro y la acción dramática conforman una estructura indivisa hasta el punto de poder afirmarse que el autor, en 1917, siendo conocedor de los nuevos lenguajes musicales provenientes de la Nueva Escuela de Viena, provoca con la tríada un avance innovador para el teatro cantado.

En relación con la estética musical de las partituras, vale la pena recordar que no fue en vano el hecho de que Puccini hubiera asistido al estreno de Pierrot Lunaire , con la dirección de su propio autor, Arnold Schoenberg, y que a la salida del concierto ambos músicos se hayan saludado y hablado un rato, lo suficiente como para que a partir de esa noche trabaran una amistad que llegó a ser afectuosa, pero que tristemente se truncó por la prematura muerte del creador italiano. ¡Qué originales y maravillosas hubieran sido algunas creaciones más de Puccini, enriquecido y por nuevos senderos después de su Turandot !

Si bien es una realidad que una parte de la crítica desdeña los valores creativos de compositor universal de Puccini, arguyendo que fue un provinciano que se quedó al margen de las corrientes avanzadas de su tiempo, no es posible negar que fue y sigue siendo un músico popular. Decir “popular” no indica un defecto, sino una característica de sus obras, que es la de seguir dando la vuelta al mundo porque precisamente son universales, y suma el cuidadoso trabajo del compositor en el armado teatral, así como también el manejo brillante del aspecto instrumental de su música y la riqueza de matices que logró con sus dinámicas y combinaciones de timbres e intensidades.

Por otro lado, la importancia de la melodía hace rato que ha dejado de ser algo menor o anticuado. Giacomo Puccini y muchos de los actuales creadores han demostrado que en las artes nada pasa del todo y que las tendencias neoclásicas o neorrománticas siempre son válidas. Porque lo importante no es la teoría, sino la obra realizada con el sello del compositor; esa es la que será valorada por los espectadores. Puccini, como Monteverdi, Purcell, Verdi, Debussy o Wagner, entre muchos más, han hecho lo suyo en su tiempo y con el talento creador que los diferencia.

Inspirado en La divina comedia de Dante, el autor acaso haya querido representar en las tres óperas que conforman El tríptico , el infierno en la barcaza de Michele en Il tabarro ; el purgatorio en el convento de clausura de Suo r Angelica, y el cielo en la libertad y felicidad de la juventud en el final de Gianni Schicchi , con el agregado irónico de ese texto inolvidable del protagonista: “Díganme ustedes, señores, si los dineros de Buoso pudieran terminar mejor que de este modo. Por esta extravagancia me han echado al infierno, y que así sea; pero con permiso del gran padre Dante, si esta noche se han divertido [y hace un gesto de aplauso], concédanme el atenuante”. Pero ese aplauso no sólo será para los intérpretes; desde siempre, todos los públicos del mundo se lo ofrecen con gran admiración a Giacomo Puccini.

Con nombre y apellido

El equipo de intérpretes invitados por el Teatro Colón para las tres óperas de Puccini estará encabezado por el director de orquesta Richard Buckley y por el director de la puesta en escena Stefano Poda; sobre bocetos de Daniel Feijoo y diseño de vestuario de Cristina Pineda. El Coro Estable está preparado por Marcelo Ayub y el de Niños, por César Bustamante.

El consagrado barítono español Juan Pons tendrá a su cargo los dos personajes centrales, Michele en Il tabarro y Gianni Schicchi, en la ópera homónima; en tanto que la soprano Amarilli Nizza será Angelica junto a la mezzosoprano Agnes Zwierko, que no sólo dará vida a la imponente Tía Princesa en Suo r Angelica, sino también figura relevante en Il tabarro encarando a Frugola, y la ambiciosa Zita en Gianni Schicchi , tres personajes que tuvieron como brillante creadora a una gran artista nacional como Luisa Bartoletti, a quien se recuerda con cariño y estima.

Es una pena que el espectáculo conformado por tres partes -con una duración estimada en tres horas veinticinco minutos-, en el que actúa un elenco con alta cantidad de artistas nacionales, no se anuncie con el agregado de una buena cantidad de funciones extraordinarias a precios asequibles y algunas dedicadas a estudiantes, a los efectos de que la sala dependiente del gobierno de la ciudad cumpla el postulado de contribuir a la formación de nuevos públicos.

Fuente: La Nacion.com – Juan Carlos Montero

El próximo 15 de mayo, la Temporada Lírica 2011 presenta La Flauta Mágica, con la Dirección Musical de Frédéric Chaslin al frente de la Orquesta Estable del Teatro Colón y la Dirección de Escena y medios audiovisuales de Sergio Renán. La dirección escenográfica corresponde a Juan Pedro de Gaspar y el diseño de vestuario estará a cargo de Renata Schussheim. El Coro Estable del Teatro Colón estará bajo la dirección del Maestro Peter Burian.

Las funciones de la ópera de Mozart, que marca el regreso de Sergio Renán al escenario del Teatro Colón, se llevarán a cabo los días 15, 18, 20, 21 y 22 de mayo.

La obra mozartiana es una profunda y a la vez divertida pieza de teatro musical, que conjuga el teatro, con diálogos hablados, el canto, la danza, siendo una síntesis del mejor arte de la época clásica; por eso ocupa uno de los lugares más altos en el panteón de la música, conservando intacta su vehemente capacidad de sorprender y emocionar.

La flauta mágica fue la última ópera que estrenó Wolfgang Amadeus Mozart y uno de sus grandes legados. Sus míticos e inolvidables personajes están inspirados en las ideas y fundamentos de la filosofía de la ilustración, aquella que perseguía disipar las tinieblas de la humanidad mediante las luces de la razón. La trama relata las aventuras y desventuras  del príncipe Tamino quien, en su afán de salvar a su amada Pamina, atraviesa una serie de pruebas e infortunios que intentará superar en el reino de la oscuridad, para alcanzar el reino de la luz. La magistral pieza artística de Mozart, contiene un conmovedor mensaje de fraternidad universal que, bajo la dirección de Sergio Renán, buscará alcanzar una renovada magnitud.

Fuente: Hagaselamusica.com

El tenor mexicano Rolando Villazón ha vuelto triunfante a la Royal Opera House, escenario de algunos de sus éxitos anteriores, con un Werther, el héroe romántico de Jules Massenet, hecho a su medida. Villazón, que sufrió una operación en las cuerdas vocales que hizo temer por su carrera, demostró en su debut en ese papel en Covent Garden un completo control de su instrumento, aunque no tenga el poder desbocado de antes.

Villazón es claramente consciente de que debe cuidar su voz sin extralimitarse, recurriendo más a la técnica, y el resultado la noche del estreno fue una actuación a la vez mesurada y brillante.

El joven tenor mexicano da perfectamente el tipo del personaje creado por Goethe, en el que se inspiró el compositor francés para una de sus mejores obras, un héroe que han cantado otros grandes tenores líricos como Alfred Kraus o José Carreras.

Villazón interpretó con una mezcla de pasión y sinceridad al joven héroe trágico que se suicida por la imposibilidad de consumar su amor con la mujer a la que una mujer casada.

Frente a él, la francesa Sophie Koch, una mezzosoprano de timbre vibrante, compuso una muy convincente Charlotte en el papel de la mujer casada en cuyos brazos acabará Werther tras pegarse un tiro mortal.

También merecen elogios la joven soprano japonesa Eri Nakamura como Sophie, la hermana de Charlotte, el barítono francés Alain Vernhes, en el papel del padre de ambas, y el noruego Audun Iversen como Albert, el marido de Charlotte.

La producción que podrá verse ahora en días distintos hasta el 21 de mayo es la estrenada en este mismo teatro en 2004, que firma el cineasta francés Benoït Jacquot.

Es una puesta en escena tradicional, pero de gran belleza estética, con decorados que en un primer acto se limitan a una pared cubierta de yedra, pasan luego a una terraza cubierta de hojas caídas bajo un cielo inmenso de tormenta, muestran en el tercer acto un interior claramente inspirado en las pinturas del danés Vilhelm Hammershoi para terminar en un pequeño cuarto bohemio mientras fuera cae silenciosa la nieve y se oyen voces infantiles.

A diferencia de otros famosos suicidios y de la muerte del propio Werther en la novela epistolar de Goethe – “Las Tribulaciones del Joven Werther”, que provocó una oleada de suicidios románticos en la Europa de su tiempo- el de la ópera de Massenet es un suicidio que podría calificarse de “feliz”.

Werther muere en los brazos de su amada, que termina confesándole su amor y a la que aquél se unirá en ese momento final, antes de que la muerte le libere del tormento de seguir viéndola casada con otro hombre en un aburrido matrimonio que sigue las convenciones burguesas.

La ópera de Massenet es rica en efectos y su música se adapta en todo momento a las situaciones y emociones que se viven en el escenario con personaje perfectamente trazados, armonías muy complejas en el caso de Werther, que reflejan la naturaleza turbulenta de su pasión, pero también momentos de luminoso lirismo para describir la faceta hipersensitiva del héroe.

Al frente de la orquesta de la Royal Opera House, Antonio Pappano dejó que la música de Massenet brillase en todo su esplendor, aunque en algunos momentos de entusiasmo no impidiese, cosa rara en un maestro tan sensible a las necesidades de los cantantes, que el sonido ahogase algo las voces, entre ellas la de Villazón.

Joaquín Rábago.

Fuente: © EFE 2011

Realmente interesante la Temporada Lirica del Teatro Colon para este 2011, bueno uno viene tan necesitado que con poco se conforma pero tendremos lindas operas para ver y de nuevo algunas visitas relevantes para escuchar como el increible Pons en carne y hueso!!

Con la presentación de un muy recomendable Il Triptico de Puccini, una lindisima ”Flauta Mágica de Mozart” bajo la dirección de escena de Sergio Renán y el concierto de improvisaciones del eximio pianista Keith Jarrett son los puntos más altos de la Temporada 2011 del Teatro Colón que incluye además entre otros la presentación de La Fura dels Baus en una importante puesta en escena de El gran macabro de Ligeti y el estreno mundial de la ópera Fedra con música original del maestro Mario Perusso

Bueno, mucho y variado que pueden ver en detalle y con todo lo que necesitan saber en el PDF que les dejo aqui!!!

http://onlineoperaclub.com/wp-content/uploads/2011/03/temporada2011.pdf