Esa experiencia la tendrá precisamente en los últimos días de agosto cuando le toque interpretar en ese escenario el rol de Radamés, personaje de la famosa ópera de Verdi, que forma parte de su nutrida agenda internacional, lo que no le impide lanzar la alarma “sobre la situación desastrosa de los teatros de todo el mundo”.

“Es una realidad, dijo a ANSA el tenor que se hizo famoso en 2002 cuando reemplazó a último momento a Luciano Pavarotti en ‘Tosca’ en el Metropolitan de Nueva York, no es una crítica gratuita”. Por la manera en que considera la situación de la ópera, entre “recortes a la cultura, micrófonos escondidos en algunos teatros y directores artísticos carentes de preparación”, Licitra dijo que a su propio hijo le aconsejaría otro trabajo.

Por este motivo tampoco critica la decisión de los trabajadores de la Scala de distribuir volantes en español e italiano antes de los dos espectáculos a realizarse en el Colón, “Aída” el 29 y 31 de agosto, y “Misa de Requiem” también de Verdi, el 30, para protestar contra la ley Bondi, por el ministro de Cultura italiano, Sandro Bondi, que regula las actividades artísticas y ante el riesgo de privatización del teatro. “Son denuncias justas para mantener viva la atención, explicó. Quien trabaja en el arte tiene una familia que mantener y es justo que se preocupe y haga comprender los problemas a quienes no pertenecen al ambiente”.

Licitra llegará a Buenos aires el 25 de agosto para ensayar en el Colón al día siguiente como integrante de la gira del famoso teatro milanés y en ocasión del bicentenario de la República Argentina.

Fuente: (ANSA). MRZ

Desde su debut en ese nuevo rol en la capital alemana, la crítica ha señalado que, pese a que su voz se ha oscurecido y ha ganado profundidad con los años, sigue siendo una voz de tenor, y Domingo puede decir, como Sinatra, que lo canta “a su manera”.

“Yo no pretendo ser un barítono. No he cambiado de voz”, señaló el cantante a Efe antes de la actuación.

Pero, comparando la voz con la paleta de un pintor, explicó así el cambio de registro: “Un cantante elige el color, las tonalidades en función del rol que interpreta”.

Y el de Simón Boccanegra exige una tonalidad ciertamente distinta de un Radamés, un Don José, un Andréa Chénier, un Hoffmann o tantos otros personajes a los que ha dado vida en el escenario -más de 130 hasta ahora- aunque le haya facilitado la transición algunos roles como los wagnerianos que ha interpretado últimamente.

Sea como fuere, al igual que ocurrió antes en los otros escenarios donde cantó a Simón Boccanegra, el público de la Royal Opera House, entre el que había famosos colegas como la soprano rusa Anna Netrebko y su marido, el barítono uruguayo Erwin Schrott, se rindió totalmente a Plácido Domingo.

Su voz bella, lírica y noble a un tiempo, unida a sus indudables dotes de actor dramático, se combinaron para componer un personaje del todo convincente: el del corsario convertido, a su pesar, en dux de la República de Génova tras una rebelión popular.

“Simón Boccanegra” cuenta una complicada historia de traiciones y luchas políticas con el añadido, muy de la época romántica, de una hija ilegítima a la que el dux reconocerá un cuarto de siglo después de haberla perdido y que termina con la muerte del protagonista tras beber el veneno que le administra quien le ayudó a conquistar el poder y se convierte luego en su peor enemigo.

Domingo tuvo a su lado en el papel de su hija a la soprano rusa Marina Poplavskaya mientras que el rol de su enamorado, Gabriele Adorno, lo interpretó un tenor de bellísima voz, el maltés Joseph Calleja, quien cosechó los mayores aplausos después de aquél.

El veterano bajo italiano Ferruccio Furlanetto interpretó al dux derrocado por la rebelión de los plebeyos en esta producción de Elijah Moshinsky, estrenada en Covent Garden en 1991 y que va ya por su quinto “revival” sin que haya perdido nada de su belleza original.

Dirigió con atención siempre al detalle Antonio Pappano, un maestro capaz de extraer toda la riqueza expresiva y dramática de una partitura que, sin ser la más popular del compositor italiano, contiene numerosos pasajes de indudable belleza.

Fuente: © EFE 2010

Villazón, o quienes decidieron por él, eligió un programa de óperas de Händel que muy pocos asocian con un tenor mexicano: arias de Xerxes, Rodelinda, Ariodante y Tamerlano.

Según el crítico, Villazón cantó a Händel como se le habría interpretado hace cuarenta años y “transformó la música del más grande compositor de óperas del barroco en una especie de suave y cortés verismo”.

Para mayor desgracia suya, comenta Canning, tuvo a su lado a una gran haendeliana como es la británica Lucy Crowe, que provocó una gran ovación con su interpretación del gran lamento de Cleopatra “Se pietà” y con una maravillosa “Da tempeste”, de la ópera “Giulio Cesare”.

Sólo tres de los seis números del programa eran para tenor, y así Villazón empezó con transcripciones de arias para castrato alto como “Più che penso”, de Xerxes, o el maravilloso lamento “Scherza infida”, de Ariodante, que le obligaron a tonos bajos que hacían su voz difícilmente audible desde la mitad del patio de butacas.

La voz de Villazón suena “desplazada de su centro” natural, “nasal y comprimida” y el tenor parecía “incómodo”, escribe el crítico, según el cual el cantante mexicano trató de compensar esas deficiencias con extraños gestos supuestamente acordes con su nueva personalidad de mentor de un concurso televisivo de cazatalentos.

El crítico señala que la operación a que se sometió el tenor para que le extirparan un nódulo en las cuerdas vocales no ha eliminado los problemas que ya tenía, como es su pequeño registro, y se pregunta si, a menos que reeduque su voz, podrá enfrentarse el próximo año en la Royal Opera House londinense a un rol tan exigente como es Werther, de Massenet.

“La cuestión a la que deben responder Villazón y el negocio de la ópera es cómo ha podido ocurrir esta desgracia. Aunque los críticos tienen su parte de culpa -todos saludamos a una nueva estrella tras escucharle en aquel glorioso Hoffmann (en su debut londinense en 2004)-, está claro que Villazón ha estado mal aconsejado sobre su repertorio”.

El cantante mexicano “ha caído en la trampa de creerse que era un nuevo Plácido Domingo”, interpretando roles a la media del tenor español en algunos de los mayores teatros del mundo, y ahora está claro que se ha extralimitado y que “tal vez haya dañado su voz de modo permanente”.

Las críticas a Villazón contrastan con los elogios que el viernes dispensó el diario “The Independent” a su colega peruano Juan Diego Flórez, de quien elogiaba el cuidado con que ha elegido el repertorio apropiado para su voz “Me limito a hacer una sola ópera al año, y es suficiente para un cantante porque hay que cuidar la voz, no se pueden hacer demasiados roles a la vez. Hay que cantar el repertorio propio y añadir una nueva ópera. Siempre estoy haciendo algo nuevo: mi repertorio es amplio y tengo cuidado de escoger lo que conviene”, explicaba Flórez.

Y añadía: “Esa prudencia es esencial, muchos cantantes han sufrido daños vocales por enfrentarse a papeles que no se ajustan a sus tipos de voz y en algunos casos no se han recuperado”.

Fuente: EFE

Sin muchas espectativas nos dirigimos a disfrutar de esta gran opera, en un nuevo encuentro del Online Opera Club pero fue grande la agradable sorpresa a la hora de encontrar que la pareja protagónica se lucio con un muy buen nivel para las grandes voces que se requieren para soportar la exigencia vocal de cada una de sus arias que no decaen en sus cuatro actos.

Pocas operas tienen tantos duos y arias tan lindas como exigentes en todos sus actos, por eso es una de nuestras preferidas.  

Previamente nos habiamos preparado escuchando la maginifica version de Domingo, Scotto, Elvira, Capecchi dirigidos por el magnifico Levine en el Metropolitan, altamente recomendable.

Una interesantisima Sabrina Cirera, para seguir de cerca ya que era su debut absoluto demostrando medios vocales importantes con un excelente in quelle trine morbide… y un Sola perduta abandonata… que seguramente un poco mas cuidada y controlando su potencia nos dara mas de una alegriaya que tambien demostro un buen manejo escenico. 

Tambien tenemos que destacar a Darío Sayegh que hizo un digno caballero Des Grieux cumpliendo un muy bien un de los roles mas exigentes para los tenores en Puccini.

La célebre Manon fue tambien interpretada por Eugenia Fuente a quien tambien hemos escuchado anteriormente pero nos quedamos con el lucimiento de Sabrina Cirera. Por otro lado  Sebastián Angulegui y Fernando Santiago se alternarón en el papel del controvertido Lescaut, hermano de la protagonista. Completaron el elenco Mario De Salvo y Oreste Chlopecki,  en el rol del millonario Geronte, y Santiago Bürgi y Sebastián Russo interpretando a Edmundo.

La dirección escénica de la obra estuvo en manos de Ana D’Anna  con una puesta que sin muchos recursos realmente nos gusto por lo audaz y equilibrada. La dirección musical del Maestro Antonio Maria Russo con un brillante y bellisimo intermezzo pero nos parecio en algunas arias lenta la orquesta pero muy probablemente porque veniamos de escuchar una par de veces a Levine. Por ultimo el vestuario, fue diseñado por Ponchi Morpurgo muy a tono.

Para aquellos que no conocen, cuenta la historia que el editor de Puccini, Ricordi, se opuso a que el compositor escribiera una ópera sobre la historia de Manon Lescaut, ya que Massenet había creado un éxito sobre esa trama. En su defensa Puccini argumentó: “Una mujer como Manon puede tener más de un amante. Massenet la siente como francés, con polvos y minuets; yo la siento como italiano, con pasión desesperada”.

Finalmente Puccini se impuso, y el mismísimo Ricordi, arrastrado por la pasión que desencadenaba la heroína, terminó colaborando con la redacción de su libretto.

Creo que por esta razon, tiene una mistica especial y realmente es la opera para los amantes de la lirica que nos deja un sabor especial y unas lagrimas unicas.

Por Marcos Pueyrredon

Esta vez, Netrebko, que debuta en Covent Garden en ese rol que ha interpretado ya en otros teatros, tiene a su lado, como Chevalier des Grieux, a Vittorio Grigolo, joven y carismático tenor italiano dotado de una voz potente aunque también de una excesiva gestualidad, y la química parece funcionar perfectamente entre ambos.

La soprano rusa domina en cualquier caso la producción al sumar a una voz radiante y capaz de todo tipo de modulaciones una presencia magnética que la convierte, cualquiera que sea su papel, en un auténtico animal escénico.

Netrebko se entrega en cuerpo y alma al personaje, lo mismo a Manon que a todos los otros a los que da vida, y esto es algo que, al margen de su voz y de su indudable carisma, valora siempre el espectador.

En la ópera de Massenet, la transición desde el coqueteo inocente de la primera escena, cuando Manon va camino del convento al que la ha destinado su familia, hasta su trágica muerte tras una etapa de vida alocada en la capital y otra de introspección, se hace perfectamente creíble gracias a su talento interpretativo.

Esta nueva producción de Covent Garden, dirigida por el francés Laurent Pelly, que triunfó ya aquí antes con una inolvidable puesta en escena de “La fille du régiment”, está a mitad de camino entre el minimalismo en los decorados y la tradición en lo que respecta al vestuario.

Los decorados, desde el del patio de la posada de Amiens, donde comienza la acción, hasta la romántica escena final, una especie de carretera con una hilera de farolas encendidas que se pierde en el infinito bajo un cielo de tormenta, pasando por la alegre y despreocupada verbena parisina o la tan austera como dramática escena en el interior de la iglesia de Saint-Sulpice, unen simplicidad, funcionalidad y belleza.

¿Y qué decir de la dirección musical del maestro Antonio Pappano, vibrante y enérgica, atenta a los contrastes dinámicos, a la fluidez estructural y al rico cromatismo de la música, siempre tan atmosférica, de Massenet?

Fuente: © EFE 2010

La dirección musical estará a cargo de Guillermo Brizzio y la puesta en escena de Pablo Maritano. La escenografía le corresponde a Daniel Feijóo, el vestuario a Sofía Di Nunzio y la iluminación a Gabriel Lorenti. El Coro Estable contará con la preparación de Miguel Martínez.

El reparto estará integrado por Lisandro Guinis y Fabián Veloz  como Rigoletto; Sabina Puertolas  y Eleonora Sancho como Gilda; Darío Schmunck  y Leonardo Pastore como el Duque de Mantua; Christian Peregrino  y Ariel Cazes  como Sparafucile; Mónica Sardi y Florencia Machado  como Maddalena; Ernesto Bauer y Gustavo Feuliéncomo el Conde Monterone; Luis Alberto Jáuregui Lorda  y Víctor Castells como el Conde Ceprano; Sergio Spina  y Emanuel Esteban  como Borsa; Emiliano Bulacios  y Ricardo Crampton como Marullo; Matilde Isnardi y Susana Paladino  como Giovanna; Oriana Favaro  y Ximena Ibarrolaza  como la Condesa Ceprano; Cecilia Pastawski y Victoria Gaeta como Paje y Juan Fernández Mendy  y Jorge Koszarek como Ujier.

Rigoletto estuvo presente en el Teatro Argentino

Por Alejandro Villarreal - El Teatro Argentino presentó “Rigoletto” de Giuseppe Verdi el pasado 27 de junio con una nueva puesta escénica que contó con la mayoría de artistas de su elenco estable. Salvo la soprano española Sabina Puértolas, el resto esta emparentado de una manera u otra al coliseo platense, orgullo de nuestro país y un bravo tras otro aplaudiendo de pie hasta que las palmas de ambas manos ya no se sientan… Increíble, soberbia, exquisita y perfecta representación de la ópera del genial compositor italiano Giuseppe Verdi con libreto de Francesco Maria Piave.

Un elenco que guiados por un Rigoletto caracterizado de manera impecable por el barítono Lisandro Guinis realizó una puesta inolvidable de la historia del bufón del Duque de Mantua.

Cuando la mano viene bien barajada el resultado final ya se conoce, y eso se sentía con solo observar el primer acto. Ya se sabía que nada iba a fallar y esa seguridad se vio con creces premiada según pasaban los actos. Feliz y orgulloso me sentí de presenciar tan soberbio acto de trabajo en conjunto, profesionales realizando su labor por un resultado común, cada cosa en su lugar y una escenografía efectiva y simple, digna de una mente que sabe encontrar en lo sencillo, lo ideal. Un aplauso interminable para todos los que hicieron posible semejante obra de arte sobre el arte mismo. El Teatro Argentino con esta puesta de la ópera “Rigoletto” se recibe de columna vertebral del arte lírico en nuestro país y en toda Latinoamérica, todo lo hecho hasta ahora desde su reinauguración fue magnífico, pero lo del domingo 27 de junio pasado fue soberbio. Digno de un diez y un aprobación indiscutible para un Teatro que sin duda se encuentra a la altura del gran Teatro Colón. Obviamente sacando la historia del medio y dejando solo el presente como punto de evaluación, el Colón y el Argentino están a la par. Ya no entiendo aquello que titula al Argentino como el segundo coliseo de nuestro país. En vistas de lo hecho en la actualidad, el Argentino tiene entidad e identidad propia y eso hoy es innegable.

Una velada inolvidable

Pasadas las 18:30 comenzaron a sonar los primeros acordes del preludio de la ópera “Rigoletto” de Giuseppe Verdi, esos casi tres minutos sirvieron de marco para intuir lo que venía. Sí claro que el objetivo del preludio es ese pero en este caso fue a telón abierto. A la vista, una escenografía muy lograda con una iluminación que marcaba lo lúgubre de la puesta y una figura que asomaba dejando tras de sí un halo de misterio, con un andar sigiloso y movimientos extraños. Era el barítono Lisandro Guinis en la piel de Rigoletto, el bufón jorobado y deforme del Duque de Mantua. Sin temor a equivocarme, en nuestro país no hubo un Rigoletto tan bien logrado en todas sus facetas desde aquella presentación de Leo Nucci (un experto en el rol) en el año 1997 en nuestro Teatro Colón. Claro está que es el papel para que todo barítono se luzca y Lisandro Guinis lo sabe y lo hizo, brillante interpretación vocal, con un caudal de voz importante y sin altibajos. Cínico y tierno, mordaz y emotivo a la vez, Guinis no tuvo fallas en su interpretación que acompañó con una actuación increíble, estudiada, pensada de principio a fin. Su andar fue parejo, dueño del escenario Guinis supo conjugar voz, actuación y acción de manera impecable. Un bravo y de pie para Lisandro Guinis que nos dejó una interpretación del bufón que se recordará en el tiempo.

La soprano española Sabina Puértolas construyó una Gilda descarnada y sentimental. La hija de Rigoletto es en esencia un ser tierno, dócil e inocente; Puértolas fue todo eso y más. Nos entregó una Gilda con presencia propia, le dio una entidad única al rol. Gilda no solo es aquella niña inocente enamorada sino que también es esa mujer de carácter que sufre y se enoja ante el amor no correspondido. Una voz importante para un papel difícil en lo técnico, salvo dos pequeñas fallas en el aria “Caro nome” Puértolas dejó una  interpretación perfecta. Por su parte el tenor internacional Darío Schmunck fue un Duque de Mantua correcto, buen caudal de voz y excelente técnica. Schmunck que sabe de desafíos importantes, actuó en la Royal Opera House de Londres, tenía con esta presencia en el Argentino una especie de deseo cumplido, una cuenta saldada y vaya si lo hizo.

Todos cumplieron de manera perfecta con su rol, insisto fue una puesta inolvidable para nuestro país y siento con gran orgullo el ser testigo presente de lo que allí sucedió. A grandes rasgos; el Coro Estable con la preparación de Miguel Martínez fue brillante, gran presencia y gran dominio de la acción. Christian Peregrino como Sparafucile y Mónica Sardi como Maddalena no faltaron a la cita y estuvieron a la altura de lo que iba sucediendo, sumando el profesionalismo y la técnica que los caracteriza como artistas.

La puesta en escena de Pablo Maritano y la escenografía de Daniel Feijóo más el vestuario de Sofía Di Nunzio y la iluminación de Gabriel Lorenti hicieron de cada escena una fotografía, de cada acto un regocijo lleno de credibilidad y presencia artística. Una escenografía muy bien lograda y pensada que se adecua de manera ágil a la acción que allí sucede. La Orquesta a cargo de Guillermo Brizzio sonó correcta y la unión con el escenario fue excelente. Para finalizar, reitero: cuando todos cumplen con su labor, cuando esta cuidado hasta el mínimo detalle, cuando la suma de profesionalismo da como resultado que todo sea sencillo, la vida va naturalmente y eso fue lo que sucedió en el Teatro Argentino ese domingo por la tarde noche en que asistimos a un momento de la vida de Rigoletto, el bufón jorobado del duque de Mantua… nada más, nada menos.

Alejandro Villarreal
Director de hagaselamusica.com

Rigoletto es una ópera en tres actos con música de Giuseppe Verdi y libreto de Francesco Maria Piave, basado en la obra teatral Le Roi s’amuse de Víctor Hugo.

Un intenso drama de pasión, engaño, amor filial y venganza que tiene como protagonista a Rigoletto, el bufón jorobado de la corte del Ducado de Mantua, esta ópera ofrece una combinación perfecta de riqueza melódica y fuerza dramática.

Personajes

DUQUE de Mantua (tenor lírico)
RIGOLETTO, bufón del Duque (barítono dramático)
GILDA, hija de Rigoletto (soprano lírica o soprano ligera)
GIOVANNA, doncella de Gilda (mezzosoprano)
SPARAFUCILE, sicario (bajo)
MADDALENA, hermana de Sparafucile (mezzosoprano o contralto)
CONDE MONTERONE, noble (barítono)
CONDE CEPRANO, noble (bajo)
MARULLO, cortesano (barítono)
BORSA (barítono)
Coro de cortesanos, sirvientes, comparsa.
La acción se desarrolla en la ciudad de Mantua (Italia), durante el siglo XVI.
Acto I
Cuadro 1. Se alza el telón y la escena se sitúa en un salón, en el palacio del duque de Mantua. El duque ha dado una fiesta y mientras se vanagloria de su nueva aventura de conquista hacia una desconocida joven del pueblo, apuesta miradas a la condesa Ceprano, a la vista de su marido. Marullo comunica a los cortesanos que el bufón Rigoletto oculta a una amante y como casi toda la corte ha sido víctima de las burlas de Rigoletto, todos quieren devolverle las ignominias. Monterone es otro a quien el Duque ha insultado a través de la deshonra a su hija y quien entra en escena reclamando venganza. El Duque manda a arrestarlo. Monterone es arrestado mientras proclama la famosa maledizione que traerá la perdición a Rigoletto.

Cuadro 2. Callejón sin salida y casa de Rigoletto con jardín; al otro lado de la calle el palacio del conde Ceprano. Rigoletto vuelve a casa preocupado por la maldición. Se le acerca un extraño, Sparafucile, un asesino profesional que ofrece sus servicios a Rigoletto. Entra en la casa y allí encuentra a Gilda, su hija (a quien los cortesanos habían tomado como su amante). Gilda vive escondida y resguardada por su padre. El duetto Figlia!, Mio padre! muestra la relación entre ambos: Rigoletto es un padre cariñoso y temeroso de perder a su hija; Gilda es una niña ansiosa de conocimiento, aunque respeta mucho a su padre. Rigoletto insiste en que Gilda no salga más que a misa y que la acompañe su doncella, Giovanna.

El duque aparece en acto y escondido se entera de que Gilda es en realidad la hija de Rigoletto y tras sobornar a Giovanna logra entrar en el jardín de la casa de Rigoletto y le declara su amor. El duque miente a Gilda sobre su identidad diciendo que es un estudiante y que su nombre es Gualtier Maldé. Afuera se oyen las voces de Ceprano y Borsa que planean el rapto de la supuesta amante de Rigoletto. El duque se marcha y Gilda se queda sola repitiendo el nombre de su enamorado, el Caro nome.

En la oscuridad de la noche los cortesanos se encuentran con Rigoletto a quien invitan a preparar el rapto de la esposa de Ceprano. Están todos enmascarados y Rigoletto ayuda, sin percatarse que está ayudando a raptar a su propia hija Gilda. Cuando Rigoletto se da cuenta ya es demasiado tarde. Lleno de angustia recuerda y proclama Ah, la maledizione!

Acto II
La escena es en un salón del palacio del duque. El duque canta su desesperación Parmi vedar le lacrime al volver a casa de Gilda y no encontrarla. Entran los cortesanos y ofrecen al duque la supuesta amante de Rigoletto. El duque se da cuenta de que se trata de Gilda y va en su busca. Entra en escena Rigoletto pidiendo de vuelta a su hija, los cortesanos la niegan y el bufón encolerizado y desesperado dirige su Cortigiani, vil razza. Entra en escena Gilda, que descubre a su padre lo que le viene pasando desde hace algún tiempo: que se ha enamorado de un joven a quien veía todos los domingos en la iglesia, que la ha cortejado diciéndole que era un pobre estudiante, y que al ser raptada ha descubierto que en realidad se trataba del duque. Rigoletto planea vengarse del duque, mientras su hija pide que le perdone.

Acto III
A orillas de un río, casa de Sparafucile. Es de noche. Rigoletto ha encargado a Sparafucile asesinar al duque, pero antes debe desengañar a Gilda mostrando su comportamiento licencioso. Es cuando el duque canta la famosa aria que hace conocida a la obra, La donna è mobile. Entra en escena Maddalena, hermana y cómplice de Sparafucile, quien coquetea con el duque y éste sucumbe a sus encantos fácilmente. Rigoletto ordena a Gilda que se vaya a casa, coja dinero y vestida de hombre huya hacia Verona. El asesino y el bufón deciden que tras su muerte, el cuerpo del duque será puesto en un saco y arrojado al río.

Se desencadena una tormenta y el duque decide pasar la noche en la posada. Maddalena ha gustado del duque y trata de convencer a su hermano de que no lo asesine, sino al bufón. Sparafucile no puede asesinar a un cliente, amén de mostrar su preocupación por los diez escudos que aún le debe Rigoletto por terminar con el encargo, pero promete cambiarlo por el primer hombre que se presente en la taberna, si esto ocurre antes de la medianoche. Gilda ha desobedecido las órdenes de su padre y vuelve a la posada vestida de hombre. Ha escuchado toda la conversación de los hermanos, y conmovida por la pasión de Maddalena, decide sacrificarse para salvar al hombre del que se ha enamorado. Entra en la taberna pidiendo asilo, haciéndose pasar por un mendigo. De inmediato, Sparafucile la alcanza con su mortífero puñal.

Acaba la tormenta y Rigoletto entra en escena. Sparafucile le entrega el saco con el supuesto cuerpo del duque. Cuando se dispone a arrojarlo al río oye la voz del duque desde el interior de la posada. Horrorizado, abre el saco y ve a su hija agonizante aún. Gilda y su padre se arrepienten de lo ocurrido y se piden mutuamente perdón. La escena termina con el lamento desgarrador de Rigoletto en que recuerda la maledizione de Monterone.

Historia de la obra
A primeros de 1851, el teatro de La Fenice de Venecia invitó a Verdi a componer una nueva ópera para ser estrenada allí. Verdi eligió el drama francés Le roi s’amuse (El rey se divierte) del escritor Víctor Hugo, aún a sabiendas de que esta obra había estado censurada en París, acusándola de manifestar el libertinaje de un rey. Por eso mismo, Verdi aceptó desde un principio modificar los nombres y los lugares siempre que pudiera conservar el núcleo del drama.

Pero tres meses antes del estreno llegó de nuevo la censura que vetó el libreto. El comunicado decía así: El gobernador militar de Venecia, señor Gorzowski, deplora que el poeta Piave y el célebre músico Verdi no hayan sabido escoger otro campo para hacer brotar sus talentos, que el de la repugnante inmoralidad y obscena trivialidad del argumento del libreto titulado La Maledizione. Su Excelencia ha dispuesto pues, vetar absolutamente la representación y desea que yo advierta a esta Presidencia de abstenerse de cualquier ulterior insistencia al respecto…

El asunto se resolvió gracias a la diplomacia de los administradores del teatro. Se trasladaron a Busseto y allí se pusieron de acuerdo con Verdi y el libretista para que se cambiasen al menos cinco puntos:

Trasladar la acción de la Corte de Francia a una Corte menor.
Cambiar los nombres de los protagonistas inventados por Víctor Hugo.
Cambiar la escena en que el libertino posee una llave para acceder al cuarto de la protagonista por otra distinta que respete la necesaria decencia.
La visita del rey a la taberna será casual y no dictada por bajos propósitos.
Verdi aceptó estos condicionantes y el contrato se firmó. Las firmas fueron tres: Verdi, Piave y Guglielmo Brenna, secretario de La Fenice. Así fue cómo nació la ópera Rigoletto que hoy se conoce. Verdi se propuso en esta obra conciliar la estructura tradicional del melodrama con la complejidad del protagonista, Rigoletto, y eso no lo pudo cambiar la censura con sus condiciones. El bufón Rigoletto es un personaje verdiano, que se mueve entre el afecto por su hija y el odio por el Duque y los cortesanos. Es exactamente lo que Verdi quería realizar.

Los sucesivos arquitectos que tuvieron a su cargo la imponente obra (Francesco Tamburini, Vittorio Meano y Jules Dormal) conciliaron en su diseño estilos tan disímiles como el ático-griego, que predomina en el exterior, y -en palabras de Meano- “los caracteres generales del Renacimiento italiano, la buena distribución y la solidez propias de la arquitectura alemana, y la gracia, variedad y bizarría de ornamentación asociadas a la arquitectura francesa”, hasta conformar un admirable ejemplar del estilo “ecléctico” del siglo XIX.

En su centenaria historia, el Colón ha recibido a grandes cantantes como Enrique Caruso, María Callas y Monserrat Caballé También ha sido anfitrión de Richard Strauss, Igor Stravinsky, Manuel de Falla, Arturo Toscanini, Zubin Mehta, Daniel Barenboim y Herbert von Karajan, entre otros.

En rigor, el significado urbano del Colón excede el marco de una sala de espectáculos para figurar, junto con el Palacio de Congreso y la Casa Rosada, entre los monumentos históricos más representativos de la República Argentina.

Más de mil personas han trabajado en la restauración del Teatro Colón, que abarca unos 60.000 metros cuadrados en cuya rehabilitación, a cargo de la Alcaldía de Buenos Aires, se han invertido cien millones de dólares.

“Es la restauración patrimonial más grande de la historia de Argentina”, aseguró Mateo Goretti, encargado de coordinar los equipos que trabajaron en restauración del teatro lírico más importante de América Latina.

Los restauradores se habían topado con un panorama desolador, porque en los suelos de mosaico se amontonaban los desechos y debajo del el escenario se encontraron toneladas de basura, entre otros males, recordó.

El Teatro Colón debía haber reabierto el 25 de mayo de 2008, cuando cumplió cien años de su inauguración con la ópera “Aída” de Verdi, pero problemas financieros y polémicas paralizaron los trabajos que habían comenzado en 2001.

En 2003, se comenzaron a ejecutar las obras dentro de un proyecto denominado Master Plan, que derivó en el cierre del teatro el 1 de noviembre de 2006.

Finalmente, el teatro volvío a abrir sus puertas al público, en uno de los acontecimientos más destacados de los festejos que se realizan en el marco del Bicentenario.

Dirección: Cerrito 618  – Ciudad de Buenos Aires – Argentina
Teléfono: (+54 11) 4378-7100
Fax: (+54 11) 4378-7119
E-mail info@teatrocolon.org.ar

Recomendamos recorrer este tributo online: http://www.hagaselamusica.com/revista/Colon/ 

Fuente: Hagaselamusica.com

La joven soprano japonesa tiene una voz bella, pero, incluso con la enorme ayuda del maestro Colin Davis, le cuesta proyectarla, de modo que resulta difícilmente audible en algún momento, sobre todo al principio de la representación.

Por otro lado, la comicidad casi histérica que imprime a su personaje puede resultar a veces un punto forzada.

Schrott domina la escena cada vez que aparece. El uruguayo, que en declaraciones a Efe dijo haber madurado con su personaje, demuestra una vez más ser no sólo un cantante con un hermoso timbre varonil y potente sino también un auténtico animal escénico que transmite una increíble sensualidad.

Su forma de interpretar los recitativos, hablando más que cantando, confiere una gran espontaneidad y naturalidad a los diálogos, que puede generar un cierto desequilibrio cuando otros intérpretes optan por un enfoque más tradicional, como ha señalado algún crítico.

Schrott, el único intérprete de la producción original, parece sentirse más cómodo que nunca en la piel del rebelde Figaro, un papel que domina hata el extremo de que parece hecho especialmente para él, tanto desde el punto de vista vocal como del dramático, y es un auténtico deleite verle y escucharle.

Él es el verdadero motor del drama y en él se encarna magistralmente la quiebra del orden feudal, que le convierte en el igual de un conde empeñado en defender el derecho de pernada con sus sirvientes.

Del mismo modo, Mariusz Kwiecien, que debutaba como Almaviva en la Royal Opera House, en el Covent Garden, pese a haber interpretado ese papel en otros grandes teatros, incluido la Metropoitan Opera de Nueva York, une a su vez una espléndida voz de barítono con una enorme energía.

Entre las cantantes, además de la citada soprano japonesa, cuyo físico tampoco se adecúa demasiado al personaje que interpreta, cabría destacar a la alemana Annette Dasch, una soprano de gran potencia vocal y fuerte presencia que debuta también en el Covent Garden y a la que en otras funciones sustituirá la finlandesa Soile Isokoski.

La mezzosoprano lituana Jurgita Adamonyté hace un Cherubino que convence sólo a medias. La suya es también una voz que no tiene la potencia que requiere un auditorio como el de la Royal Opera House.

Afortunadamente, sin embargo, Sir Colin Davis, uno de los más destacados intérpretes de Mozart, dirige en todo momento con extraordinaria sensibilidad para los cantantes.

La puesta en escena de David McVicar, llena de movimiento y energía, funciona tan perfectamente como el primer día, y seguirá aguantando bien el tiempo.

Fuente: © EFE 2010

La soprano, quien viajó por un día a San Petersburgo, donde el pasado domingo interpretó en el teatro Maríynski a Micaela en la ópera “Carmen” de George Bizet, confesó al mismo tiempo que a veces olvida la edad que tiene.

“Todavía me fijo en la ropa juvenil y me olvido que ya tengo una edad. Y mi (pareja, el bajo y barítono uruguayo) Erwin (Schrott) me reprende por ello, me llama al orden. Algunas cosas de mi armario que no le gustan las reparto a escondidas entre mis amigas, todo aquello que en su opinión es demasiado corto o atrevido”, dijo.

La soprano, que tiene un hijo de casi dos años con el cantante, declaró que por el momento no hay planes de boda.

“Así como estamos nos va bien. Es muy complicado organizar cualquier cosa. Continuamente estamos viajando, él canta en una punta del mundo y yo en la otra. Hace tiempo que no le veo. Evidentemente nos queremos y nos sentimos bien cuando estamos juntos, pero por el momento no planeamos casarnos”, explicó.

En cuanto a su pareja, dijo que no acaba de decidirse a ampliar su repertorio y agregó que a veces hay cosas de él que no aprueba, como también hay decisiones de ella que Schrott no acepta.

“Por ejemplo, ¿cuánto tiempo puede cantarse Don Juan? Estaría bien ir haciendo otra cosa ya. Siempre le empujo a que haga algo nuevo, pero, lamentablemente, es un poco vago”, dijo.

Entre los papeles que próximamente interpretará la diva de la ópera figuran los de Mimi en “La Boheme” (Puccini), Manon (Massenet y Puccini), Giulietta (Gounod) y Anna Bolena (Donizetti), entre otros.

“Y muy pronto me iré a Bayreuth. Estaré allí dos meses y medio. Me muero por cantar Wagner, Elsa en ‘Lohengrin’. Soy así de ambiciosa”, reconoció.

Agregó que con ello no puede decirse que su repertorio pase abiertamente a un plano más dramático, aunque reconoció que su voz se ha vuelto “más grande y fuerte”, lo que atribuyo a su maternidad.

Por otra parte, expresó su gran admiración por su colega rumana Angela Gheorghiu, quien recientemente le arrebató el premio Classical BRIT a la Mejor Artista del año, así como cantantes de otras épocas como Mirella Freni y Maria Callas.

“Quiero decir que no me considero la mejor entre las mejores. De las cantantes contemporáneas me gusta mucho Angela Gheorghiu. Creo que es en la actualidad la mejor soprano del mundo. Es muy bella y canta con dulzura”, dijo.

Asimismo, confesó que si no tuviera ni planes ni contratos que cumplir, “comería sin límites, engordaría y sería completamente feliz”.

“Me encanta comer y beber. El vino para el paladar, para una buena cena, para el estado de ánimo, para relajarse un poco, para eliminar las tensiones emocionales es indispensable”, dijo.

Fuente: © EFE 2010