Después de 25 años, regresa al escenario del Teatro Colón “La Forza del Destino” la ópera en la que Giuseppe Verdi retrata los artificios del poder y del destino como ningún otro compositor romántico europeo del siglo XIX. La dirección de escena, escenografía, vestuario e iluminación será de Hugo De Ana y la dirección musical, de Renato Palumbo.

Después de más dos décadas, se vuelve a representar en el Teatro Colón una de las principales óperas de Giuseppe Verdi: “La Forza del Destino”. Con dirección musical de Renato Palumbo y dirección escénica de Hugo De Ana, sube a escena este domingo 22 a las 17, con nuevas funciones el 24, 26 y 28 de abril, 2 y 4 de mayo a las 20 hs.

La versión original fue estrenada en San Petersburgo (1862) pero -excesivamente trágica- fue revisada y reestrenada siete años más tarde en La Scala de Milán, incluyendo una célebre obertura.

El reparto es encabezado por Dimitra Theodossiou (Donna Leonora), Mijail Agafanov (Don Alvaro), Luca Salsi (Don Carlo), Roberto Scandiuzzi (Padre Guardianoi) y Agnes Zwierko (Preziosilla) junto a destacados cantantes locales.

Fuente: hagaselamusica.com

En su tercera edición, el Abono Bicentenario promete, durante la Temporada 2012, momentos inolvidables como el que tendrá lugar el próximo miércoles 11 de abril, a las 20:30 horas, con la presencia de Angela Gheorghiu y Roberto Alagna sobre el escenario de nuestro primer coliseo. Gheorghiu y Alagna, una de las parejas de cantantes más aclamadas en el mundo entero, se presentarán junto a la Orquesta Estable del Teatro Colón, dirigida por el maestro español Ramón Tebar, e interpretarán un programa compuesto por obras de Francesco Cilèa, Giacomo Puccini, Pietro Mascagni y Alfredo Catalani.

Angela Gheorghiu ha desarrollado una destacada carrera internacional que le ha permitido cantar, desde su debut en 1992,  en las casas de ópera y salas de concierto de las ciudades más importantes del mundo entre las que se destacan Nueva York, Londres, París, Salzburgo, Berlín, Tokio, Roma, Seúl, Venecia, Atenas, Montecarlo, Chicago, Filadelfia, entre muchas otras. Además, ha obtenido los premios Gramophone, Diapason d’Or, Choc du Monde de la Musique, Cecilia Prize, Deutsche Schallplattenkritik-Preis, Echo Award, Italian Musica e dischi Foreign Lyric Production Award, Premio de los críticos de los Estados Unidos. En el Classical Brit Award obtuvo el título de la Artista Femenina del Año en 2001 y 2010.

Roberto Alagna nació en los alrededores de París, hijo de padres sicilianos dedicados al canto. Sus primeros pasos lo encuentran haciendo en Glyndebourne Alfredo de La Traviata. Es convocado luego por las casas de ópera más importantes: Nueva York, Viena, Londres. Ha participado en conciertos de caridad (Michael Jackson & Friends) y cantado para el Papa en el Vaticano. Sus futuras creaciones incluyen Paolo en Francesca da Rimini, el rol titular de El Cid, Maurizio en Adriana Lecouvreur, además de incursionar en el repertorio popular de la canción siciliana y el género chico español, la fusión de jazz, la comedia musical y la canción.

Programa

Angela Gheorghiu, soprano
Roberto Alagna, tenor
Orquesta Estable del Teatro Colón
Director: Ramón Tebar

Primera parte

Francesco Cilèa (1866-1950)

Preludio de “La arlesiana”
La dolcissima effigie
(De “Adriana Lecouvreur”)
Angela Gheorghiu – Roberto Alagna
“Ecco, respiro appena… Io son l’umile ancella”
(De “Adriana Lecouvreur”)
Angela Gheorghiu
L’anima ho stanca
(De “Adriana Lecouvreur”)
Roberto Alagna
Senza lentezza (Acto II)
Andante sostenuto (Acto III)
Andante triste (Acto IV)
(Música orquestal de “Adriana Lecouvreur”)
“Poveri fiori…Ove, dunque, son io?”
(De “Adriana Lecouvreur”)
Angela Gheorghiu – Roberto Alagna

Segunda parte

Giacomo Puccini (1858-1924)
Intermezzo de “Manon Lescaut”
Preludio al Acto III de “Edgar”
“Mario! Mario! Mario…Son qui!”
(Dúo del Acto I de “Tosca”)
Angela Gheorghiu – Roberto Alagna
“E lucevan le stelle”
(De “Tosca”)
Roberto Alagna

Pietro Mascagni (1863-1945)
Intermezzo de “L’amico Fritz”

Alfredo Catalani (1854-1893)
“Ebben! Ne andrò lontana”
(De “La Wally”)
Angela Gheorghiu

Giacomo Puccini
“Ah! Franchigia a Floria Tosca…O dolci mani”
(De “Tosca”)
Angela Gheorghiu – Roberto Alagna

Fuente: hagaselamusica.com

Las voces españolas y latinoamericanas, como las de Plácido Domingo, Rolando Villazón y Erwin Schrott, estarán muy presentes la próxima temporada en la Ópera de Viena, que acaba de presentar un vasto programa de 53 óperas, entre ellas cinco estrenos. La temporada 2012/2013 levantará el telón el día 4 de septiembre con un “Don Carlo” de Verdi dirigido por el propio responsable musical del escenario vienés, Franz Welser-Möst.

El mismo será el encargado de clausurar el ciclo de recitales y conciertos, con una nueva puesta en escena de “Tristán e Isolda”, uno de los estrenos de este año y que servirá para homenajear a Richard Wagner en el 200 aniversario de su nacimiento.

Entre esas dos fechas, los amantes de la ópera podrán disfrutar de los estrenos de “Alceste”, de Christoph Willibald Gluck; “Ariadne en Naxos”, de Richard Strauss; “La cenerentola”, de Rossini, que estará dirigida por el español Jesús López Cobos; y la ópera infantil “Pollicino”.

Entre los intérpretes destaca el amplio plantel de voces hispanoamericanas que pasarán por la Wiener Staatsoper.

Plácido Domingo protagonizará siete representaciones del “Simon Boccanegra” de Giuseppe Verdi, la misma pieza con la que el tenor español logró un enorme éxito en la inauguración de la temporada anterior.

También formará parte del elenco de “Boccanegra” el mexicano Ramón Vargas, cuyo paso por la Ópera de Viena la próxima temporada se completará con su presencia en “El Murciélago” de Johann Strauss, hijo, y con un concierto solista.

Domingo también se subirá al atril para dirigir tres funciones de “Romeo y Julieta” de Charles Gounod.

Otras voces hispanas que pasarán por la Ópera de Viena son la del malagueño Carlos Álvarez, que tras su regreso el pasado febrero después de una larga ausencia del teatro vienés, hará doblete la próxima temporada, con “La traviata”, en noviembre, y “La hija del regimiento”, en mayo.

El mexicano Rolando Villazón también cantará, en otra fecha, en “La traviata” y el argentino José Cura protagonizará en mayo del 2013 “Andrea Chénier”.

En noviembre, “El elixir de amor” de Donizetti tendrá al español Guillermo García Calvo al frente de la orquesta y al peruano Juan Diego Flores poniendo voz a Nemorino.

En esta misma obra, el uruguayo Erwin Schrott interpretará al “Doktor Dulcamara”. El esposo de la soprano rusa Anna Netrebko también participará como Leporello en el “Don Giovanni” de Mozart.

El tinerfeño Celso Albello dejará oír su voz el “El elixir de amor” y “La sonnambula” y la uruguaya María José Siri será la Tosca en la ópera de Puccini.

Fuente: Hagaselamusica.com

El tenor español Plácido Domingo volverá a los escenarios de la Royal Opera House de Londres la temporada 2012-2013, esta vez como barítono -camino por el transitan ahora buena parte de sus compromisos líricos- en la ópera «Nabucco», la tragedia lírica de Giuseppe Verdi en cuatro actos. El director de la Royal Opera, Kasper Holten, dio a conocer hoy el programa de la próxima temporada, en la que habrá nuevas producciones y también espectáculos dedicados a los bicentenarios de Verdi (1813-1901) y de Richard Wagner (1813-1883).

Testigo de tantos de sus éxitos, Plácido Domingo, de 71 años, compartirá el escenario de la Royal Opera House de Convent Garden en marzo de 2013 con Liudmyla Monastyrska, que hará el papel de la vengadora Abigaille en la ópera «Nabucco», la tragedia basada en el Antiguo Testamento estrenada en 1842 en la Scala de Milán. Se trata de una coproducción con la Scala que estará dirigida por el maestro Daniele Abbado.

En la programación también está el tenor peruano uan Diego Flórez, en la nueva producción de «La donna del lago», la más romántica de las óperas de Rossini, a cargo de John Fulljames, director asociado de la Ópera de Convent Garden, entre mayo y junio del año próximo.

Nuevas producciones

Entre las nuevas producciones figura «Eugene Onegin», a cargo de Kasper Holten, una ópera que el director de la Royal Opera House calificó hoy de «llena de poesía y melancolía», pues reúne las «turbulentas emociones» de la juventud.

También se representarán «Don Carlo» y «Simon Boccanegra» de Verdi, que estarán bajo la dirección de Antonio Pappano, así como «Gloriana», a cargo del maestro Paul Daniel. Esta última ópera explora la relación entre la reina Isabel I y el conde de Essex, Robert Devereux, y la meditación que hace esta soberana de la época Tudor sobre el reinado y la muerte. Holten destacó hoy la importancia de la ópera en «momentos de incertidumbre y de recortes de gastos», por lo que están haciendo esfuerzos para hacerla más asequible para gente que no ha tenido la oportunidad de apreciarla.

Fuente: hagaselamusica.com

El tenor peruano Juan Diego Flórez propone disminuir la pobreza entre niños y jóvenes de su país con la formación musical gratuita en un sistema de orquestas juveniles que llamó Sinfonía por el Perú y que ya cumple nueve meses en operación. “La orquesta va a tener una excelencia y una proyección internacional muy importante. Tenemos incluso invitaciones del festival de Lucerna (Suiza), que ya quiere tener a la orquesta en una de sus ediciones”, señaló hoy Flórez durante una rueda de prensa con corresponsales extranjeros en Lima para informar de los avances del proyecto.

El programa funciona desde hace nueve meses mediante núcleos o centros de enseñanza musical gratuitos ubicados en zonas pobres de la ciudad de Lima y de las regiones de Áncash, Puno y Cuzco, donde los niños tienen acceso a instrumentos y a instructores capacitados.

Para el tenor, de 39 años, “la música puede cambiar vidas”, por eso se ha puesto una ambiciosa meta de alcanzar con su proyecto a cinco millones de personas.

“Un niño con un instrumento en la mano es un niño que ya no es mas pobre, se le abren muchas posibilidades y se enriquece espiritualmente”, aseguró.

Flórez señaló que el origen de Sinfonía por el Perú proviene de un viaje que realizó a Venezuela, donde vio cómo la vida de niños y jóvenes se transformaba cuando les entregaban un instrumento musical, dentro del programa del maestro José Antonio Abreu, con 35 años de experiencia.

“Pensar que con la música se pueden cambiar vidas… un niño puede salir de la pobreza, adquirir valores esenciales en su vida, alejarse de las drogas, del crimen y del trabajo infantil, eso para mí fue ‘mind blowing’ (alucinante), me impresionó y dije: ‘Esto lo tengo que hacer en Perú’”, manifestó.

El cantante afirma que el sistema de orquestas juveniles e infantiles es de “interés nacional”, pues es una experiencia exitosa en países como Venezuela, Colombia y Ecuador, donde los niños de escasos recursos pueden mirar el futuro con mayor esperanza e ilusión.

El reconocido tenor, quien perteneció a una banda de rock en su adolescencia, espera que el Estado pueda apoyar el proyecto para darle un mayor sustento y prestigio, y así poder recibir donaciones de organismos internacionales.

El director ejecutivo de Sinfonía por el Perú, Miguel Molinari, también presente en la conferencia, indicó que el costo de cada centro de enseñanza asciende a 1.200.000 soles (unos 444.440 dólares) por un periodo de tres años, lo que incluye los sueldos de los maestros y la compra de instrumentos.

Para el tenor, el proyecto musical hace que no solo los niños y jóvenes aspiren a la excelencia, sino también sus padres y su comunidad.

“El niño inspira a su familia, la familia inspira a su comunidad, la orquesta inspira a todos. La orquesta es un orgullo para la comunidad… es un orgullo muy grande y los inspira a ser mejores”, opinó.

Este proyecto no solo tiene un objetivo social, sino que también busca incrementar el nivel de los músicos en su país que por falta de recursos no pueden acceder a mejores oportunidades.

“El talento puede estar bastante escondido y el estudio lo puede sacar a flote, como en mi caso. Yo estudié bastante y pude sacar algunos talentos, mejor dicho, facilidades, como los agudos, la coloratura y el belcanto”, expresó.

Flórez recordó que creció sin escuchar ópera ni música clásica en su familia, que la descubrió al final del colegio y a partir de ese momento la eligió para su vida.

El tenor tiene aún muchos proyectos por cumplir, como una orquesta peruana que integre instrumentos andinos y selváticos, una para discapacitados y un coro para sordomudos.

“Uno de mis sueños -dijo- es tener una orquesta Puno Cuzco (regiones sureñas peruanas) que vaya de gira por el mundo y que sea una maravilla para el mundo, porque ¿pueden imaginársela tocando piezas de Beethoven o Mozart en Berlín o en Londres con vestimentas típicas y con sus instrumentos propios? Esto sería increíble, los europeos se volverían locos”.

Fuente: Agencia EFE – Hagaselamusica.com

El tenor español José Carreras se refirió en Viena a la posibilidad de volver a participar en un montaje operístico y aseguró que no le gustaría retirarse de los escenarios sin cantar de nuevo “al menos una ópera”. Carreras manifestó ese deseo tras la ceremonia en la que le fue entregada la Medalla de Honor de Oro de Viena, una ciudad con la que el barcelonés mantiene desde hace décadas una estrecha relación.

“Podría ser. Está muy incipiente la idea, pero esperemos que haya la posibilidad. Yo no quisiera dejar de cantar sin de nuevo cantar una ópera, al menos una, en el escenario”, reconoció el afamado tenor en declaraciones a Efe.

Un proyecto sobre el que Carreras no dio más detalles y que, explicó, “está muy al principio”. El cantante hace años que no actúa en un montaje operístico, pese a que sigue ofreciendo recitales y conciertos, como el espectáculo “Amor y Pasión” que llevará mañana al escenario del Konzerthaus vienés.

Respecto al homenaje de hoy, Carreras aseguró: “Estoy encantado y feliz de recibir esta medalla de oro de una ciudad que llevo en mi corazón desde el primer momento que viene”.

El tenor agradeció el “afecto y el respeto” del público de la ciudad y confió en seguir disfrutando muchos años de “las emociones y momentos maravillosos” que ha vivido en ella, “si no en el escenario (…), cuando venga, seguro que a menudo en el futuro próximo, como un visitante”.

“Creo que el modo como los artistas nos sentimos tratados en esta ciudad es extraordinario, y el afecto y el reconocimiento que recibimos es estupendo y recibir la máxima distinción posible de la ciudad para mi es un gran motivo de satisfacción y de agradecimiento”, declaró Carreras.

El catalán es miembro honorífico de la Ópera de Viena y Austria le concedió el prestigioso título de “Kammersänger” o “cantante de cámara”

Desde su debut vienés en 1974, Carreras se ha subido en 138 ocasiones al escenario de la Ópera de Viena, como recordó hoy su director, el francés Dominique Mayer.

“Ya tiene casi todas las medallas del mundo, pero encuentro hermoso que una ciudad para la que la ópera significa tanto le entregue este reconocimiento”, saludó el musicólogo galo a Carreras, del que recordó sus comienzos en la música y los momentos más esplendorosos, y también los más duros, de su carrera.

Mayer se refirió así a la leucemia que le fue diagnosticada en 1987 y que superó tras un duro tratamiento, al tiempo que aplaudió la fundación creada por Carreras para luchar contra la enfermedad haya recaudado ya 60 millones de euros (82 millones de dólares).

“No es sólo un cantante maravilloso, sino también un caballero”, dijo el director de la Ópera vienesa al referirse a la elegancia y la amabilidad que el tenor siempre ha mostrado con su público.

“Este es tu hogar y siempre serás bienvenido”, señaló por su parte Andreas Mailath-Pokorny, concejal de Cultura del Ayuntamiento vienés, que aseguró que para esta ciudad es un “orgullo y un privilegio” que Carreras acepte la medalla que le fue entregada hoy.

Aunque en los discursos el arte y la música fueron los protagonistas, el representante municipal no dejó de recordar que el fútbol es otra de las grandes pasiones de Carreras algo que, según Mailath-Pokorny, “no es difícil si se es de Barcelona”.

Una afición por el Barca que, reconoció Carreras, no es obstáculo en su amistad con el también tenor Plácido Domingo.

“Con Plácido no hay ningún tipo de problemas, de ningún tipo. Aunque es cierto que él es madridista y yo soy culé. Por lo tanto, hablamos de fútbol pero como debe ser, de manera civilizada”.

Fuente: EFE 2011.

El célebre tenor español Plácido Domingo sumó el sábado un nuevo papel a su repertorio récord interpretando al dios romano “Neptuno” en la fantasía barroca “La isla encantada”, una ópera que tuvo su estreno mundial en Nueva York para la Nochevieja de 2011. Domingo, que el próximo 21 de enero cumplirá 71 años, recibió una calurosa acogida de parte del público presente en la Metropolitan Opera (Met) para esta obra concebida por el británico Jeremy Sams.

“La isla encantada” ha sido promocionada como uno de los platos fuertes de la agenda de la Met en la temporada 2011-2012, que incluye además el ciclo “El anillo de los Nibelungos”, la épica obra dividida en cuatro óperas del compositor alemán Richard Wagner.

En su papel de “Neptuno”, Domingo aparece al final del primer acto en una impactante puesta en escena en el fondo del mar para cantar sobre música inspirada en Handel.

A continuación, entre sirenas y náufragos, canta acompañado por un coro “Había olvidado que era el Señor”, en una parte que retoma una música compuesta por Rameau.

El tenor español vuelve al escenario cerca del final del segundo y último acto para el desenlace de esta ópera que incluye numerosos y muy logrados efectos de animación.

Sams utilizó para la creación de “La isla encantada” la técnica del ¨pastiche” del siglo XVIII, según la cual nuevos libretos eran combinados con música de diferentes obras para dar lugar a una producción inédita.

En este caso, los personajes son extraidos de dos de las obras más simbólicas de Shakespeare, “La tempestad” y “Sueño de una noche de verano”, y la música incluye arias de Handel, Vivaldi y los compositores franceses Jean-Philippe Rameau, André Campra y Jean-Marie Leclair.

Sams explicó en el sitio internet de la Met que creó el papel de “Neptuno” especialmente para Domingo, luego de que el directo general de la ópera neoyorquina, Peter Gelb, invitara al tenor a sumarse a la produccion.

“Peter lo invitó a sumarse a la producción y me preguntó si podía crear un papel para él. Así nació el papel de Neptuno”, contó Sams, agregando que es la primera vez que el tenor interpreta a un dios.

El elenco para el estreno de la ópera incluyó a la soprano australiana Danielle de Niese (“Ariel”) y el barítomo bajo italiano nacido en Venezuela Luca Pisaroni, que interpretó a “Calibán”, personaje de “La tempestad”.

Con “Neptuno”, Domingo (nacido en Madrid en 1941) se afianza como el tenor con más papeles protagonizados en la historia (cerca de 140), en una increíble carrera con más de 3.500 presentaciones.

Considerado por algunos como el mejor tenor del siglo XX, Domingo cumplió en mayo pasado sus bodas de oro en los escenarios desde el debut en la ciudad mexicana de Monterrey en 1961 con “La Traviata” de Giuseppe Verdi.

Precisamente las últimas presentaciones del tenor antes de Nueva York fueron en América Latina, con conciertos en Tlaxcala (México) a fines de noviembre y en el teatro nacional de Santo Domingo en República Dominicana.

Para 2012, Domingo tiene previsto en su agenda actuaciones en Los Angeles (California, EEUU), Sevilla y Madrid, Berlín, Zurich (Suiza), Santiago de Chile y Salzburgo (Austria), según su sitio oficial en internet.

Fuente: AFP / Hagasaselamusica.com

La opereta no podía faltar para cerrar ésta temporada lírica 2011 del Teatro Colón, es por eso que el próximo martes 29 de noviembre a las 20:30horas, subirá La Viuda Alegre al escenario de nuestro primer coliseo bajo la Dirección Musical de Gregor Bühl y la Dirección Escénica de Candace Evans. Las seis funciones programadas se llevarán a cabos los días martes 29 y viernes 2 de diciembre a las 20:30 horas, domingo 4 a las 17:00 horas, miércoles 7 y sábado 10 a las 20:30 horas y la última función tendrá lugar el domingo 11 a las 17:00 horas.

Esta maravillosa opereta en dos actos con música del compositor Franz Lehár y libreto en alemán de Victor Léon y Leo Stein basados en la comedia L’attaché d’ambassade (1861) de Henri Meilhac, narra la historia de Hanna Glawari, una viuda rica cuya fortuna es de gran interés para sus paisanos en lograr mantener su dinero en el principado de Pontevedre encontrándole un buen consorte.

La Viuda Alegre, es uno de los mayores triunfos del teatro musical de todos los tiempos y en ésta oportunidad el escenario del Teatro Colón dará cierre a la temporada lírica 2011 junto a un elenco internacional y nacional de excelencia.

Fuente: Hagaselamusica.com

Imponente puesta de la ópera de Richard Wagner en el Teatro Colón. Lohengrin es el sexto título de la presente temporada lírica en el máximo coliseo de este lado del mundo y como tal no pasó en absoluto desapercibido. Puede ser por su director de escena, Roberto Oswald, quién sorprendió con una cuidada creación llena de simbolismos y una colosal presencia de la iluminación. O por una Orquesta que sonó de manera ajustada de principio a fin en manos del director Ira Levin, logrando por momentos un juego de sonidos en el que los músicos se mudaron, cada vez que fue necesario, del foso a detrás de escena o a los palcos. Brillante creación de Levin con sus músicos para un Lohengrin que dejó mucho más de lo hasta acá expuesto.

El barítono James Johnson fue, por confirmadas percepciones, el mejor intérprete de este “Lohengrin” que tuvo en general varios desaciertos en la interpretación de sus voces. Johnson llevó adelante el personaje de Friedrich de Telramund, un ser noble y honesto que a la sombra de su esposa queda inmerso en la  desgracia, la mentira y la deshonra. El “Telramund” de Johnson es brillante, una voz impecable con una emisión importante y sin altibajos. Es que Johnson es un experimentado intérprete que deslumbra desde hace años en las principales salas líricas del mundo. Un gran cantante y actor, el resultado es claro: un vasto artista profesional dentro de un mundo donde la perfección es el objetivo. Johnson fue la estrella de este “Lohenhgrin” que deja claras deudas en el rol de los cantantes si tenemos en cuenta que Friedrich de Telramund es el tercer papel en orden de prioridad de la obra.

La mezzosoprano Janina Baechle en la piel de Ortrude, esposa de Telramund, llevó adelante su interpretación con deslealtades en la emisión de su voz, cuenta con un buen timbre y volumen considerable pero su tesitura no es estable y a raíz de esto su interpretación fue incontrolable y poco armoniosa. Su caracterización de la hechicera es muy buena pero no fue suficiente en un espacio en el que por sobre todo importa el canto. Una vez  finalizada la obra Janina Baechle no salió al escenario a saludar dejándonos a los presentes la inquietud de “por qué”, si fue por algún motivo personal o para evitar el abucheo del público. Si fuera por esta rechazable práctica pregunto: ¿Quién está en condiciones de abuchear a alguien? Existen ovaciones, aplausos e indiferencia a la hora de premiar a un artista, pero abuchear es como mínimo un signo de mala educación. Dicha devolución no debería existir en un contexto infinitamente valioso como el del arte.

Continuando con los intérpretes de la ópera es justo destacar a un “tímido” Richard Crawley que fue fortaleciendo su presencia vocal a medida que se sucedían los actos. Crawley, quien carece de un volumen considerable, fue de menor a mayor dejándonos muy complacidos con su interpretación de “Lohengrin” que mereció una importante ovación en el final. Su voz, de buen timbre y vibrato igualado en el tercer acto, fue una demostración de importante madurez vocal. Por su parte la soprano danesa Ann Petersen cumplió de muy buena manera el rol de Elsa de Brabante por poseer una importante voz aunque lamentablemente no se conjuga con una buena y constante emisión. Debo decir que su caracterización de Elsa de Brabante me hacía ver en escena a la grandiosa Joan Sutherland ya que su parecido físico era notable. Por momentos me dejaba llevar por su voz y su imagen y era como estar asistiendo a la increíble presencia de la tan recordada diva.

Lohengrin narra la historia de un caballero del Grial e hijo de Parzival que viaja al reino de Brabante a orillas del Escalda, reino de Heinrich I, para defender a la princesa Elsa quien fue acusada por la hechicera Ortrud y su marido Telramund de un crimen que no cometió. Estos personajes protagonizan la historia de Lohengrin de Wagner. El papel de Heinrich I lo llevó adelante el bajo Kurt Rydl quién descolló en su interpretación. Su voz flexible de bajo ligero le da brillo a un personaje justo y noble.

Hay que destacar de la obra en general al dúo de Ortrude y Telramund en el comienzo del segundo acto “Erhebe dich, Genossin meiner Schmach!”, donde el barítono James Johnson y la mezzosoprano Janina Baechle se lucen en un contexto oscuro y perverso muy bien delineado por Roberto Oswald. También es de destacar el dúo de Elsa con Lohengrin del tercer acto “Atmest du nicht mir die süssen Düfte”, con brillantes exposiciones del tenor Richard Crawley y la soprano danesa Ann Petersen. Una mención especial merecen los fragmentos corales, muy presentes en esta obra y a los que Wagner les da un carácter de jurado constante de la acción, de lo que sucede en escena, haciéndolos partícipes de las decisiones. El Coro Estable del Teatro Colón bajo la dirección del maestro Peter Burian no dejo lugar a dudas, fue una eximia e imponente presencia vocal!

Decía que Lohengrin en el teatro Colón no pasó para nada desapercibido y como principal motivo mencioné la puesta en escena de Roberto Oswald. El experimentado reggie quiso con esta nueva puesta de Lohengrin (quinta en su haber de esta obra) llevar a escena una propuesta basada en los símbolos de Lohengrin y su leyenda. Una puesta sencilla que nos da espacio para crear nuestra propia idea de la leyenda del caballero del Grial. “Una presentación minimalista” según su autor que para mí dejó mucho más que el simbolismo y el surrealismo de la idea, dejó la firme sensación de que Lohengrin puede vivir en algún lugar al que todos podemos acceder y a su vez dejarnos llevar al surrealismo de un ser de luz que asiste a la humanidad en pos de un mundo mejor hasta que la realidad se encarga de despedirlo con su crudeza y sádica visión de lo palpable. Nada existe si no lo vemos.

Lohengrin de Wagner fue el sexto título de la presente temporada del Teatro Colón y no pasó desapercibido, tuvo momentos muy buenos y otros no tanto… ¿Acaso no se trata de una obra de Wagner? Un compositor y hombre que nunca resultó inadvertido en vida y no solo por ser un genio de la música. Después de todo, de eso se trata la existencia.

Fuente: Alejandro Villarreal  – Director de hagaselamusica.com

Recientemente en uno de los tantos correos electronicos que recibimos de aquellos que les gusta leernos y dsfrutar de nuestra musica nos preguntaban sobre los origenes de la Opera como genero musical.

La ópera, uno de los géneros más importantes de la música del siglo XVII, participa del drama, de la escena y de la música instrumental y vocal. Con el tiempo, se ha convertido en una de nuestras señas fundamentales de identidad cultural.

Como drama musical, la música interviene activamente en el desarrollo argumental de la ópera, en la descripción de los ambientes y en la fijación de los caracteres de los distintos personajes. Así pues, música, drama, poesía, artes escénicas y danza conviven en un género que, además, pone en juego otros elementos importantes: el director de escena y, en ocasiones, el coreógrafo, parte decisiva en el sistema.

La ópera ha suscitado y suscita tomas de postura críticas y protagoniza más escándalos y honores que otros géneros musicales, quizá debido al interés que despierta en el público, en su manera de sentir la música, la cultura y su identidad social.

A lo largo de su historia, la ópera ha constituido una manifestación de la mentalidad de la época. Desde sus orígenes en los ambientes de las cortes nobiliarias hasta el siglo XX, se ha ocupado de ensalzar los valores monárquicos, de criticar ciertas costumbres morales de la nobleza, de ensalzar a las clases más desfavorecidas, de difundir idéales políticos y revolucionarios, de justificar el orden existente o de subvertir los cánones sociales o morales impuestos.

Los orígenes italianos

El nacimiento de la ópera se relaciona con ciertos géneros dramáticos de tipo religioso, los misterios y las pastorales que se componen e interpretan durante el siglo XVI; pero la ópera es un producto humanista, experimental, un ensayo artístico de un grupo de intelectuales, que, reunidos en Florencia en la etapa final de dicha centuria, plantearon una alternativa al drama musical del momento, reivindicando la tragedia y la comedia griegas. Los miembros de este grupo integraron la denominada Camerata Florentina.

La Camerata creó un género dramático y musical en un intento por hacer renacer la música y el teatro griegos. Como la música de la Grecia clásica no se conocía, surgieron hipótesis y teorías acerca de cómo debía ser la interpretación musical en la Antigüedad. La tesis principal sostenía que el drama griego era dialogado y cantado, de tal forma que ¡a inflexión de la declamación vocal no distorsionaba la transmisión de los textos, cargados muchos de ellos de gran emotividad y fuerza psicológica.

La primera experimentación de la Camerata se hizo con canciones en las que se respetó la declamación verbal hablada, intentando dar a cada sílaba una nota para que se entendiera todo el texto. Un laúd o un clave hacían de acompañamiento enriqueciendo armónicamente el canto (incluso con disonancias para dotar de mayor expresividad algunas partes de la canción más tensas o dramáticas) y conteniendo el ritmo. Asimismo, los pasajes que interesaba recalcar por su interés te del intermedio. El resultado fue un trabajo estructuralmente más equilibrado y musicalmente más rico, más sincronizado con el desarrollo dramático. De Peri y Caccini adoptó el recitativo con continuo, aunque lo dotó de mayor fuerza expresiva y dramática. A estos recitativos se unieron partes cantadas con orquesta, denominadas «recitativo ario-so», y arias, coros y una orquesta muy desarrollada que interpretaba sinfonías, ritornelii y danzas.

Roma y la corte papal se convirtieron en un importante centro de evolución de la ópera después de la experiencia de Monteverdi. Dos músicos romanos, Benedetto Ferrari y Francesco Manelli, ante la inminente muerte del papa Urbano VIII, se trasladaron a Venecia. En esta ciudad comenzaron a componer óperas, pero no para un auditorio aristocrático o de corte, sino para el público en general, ya que consideraron que la pujante burguesía veneciana podía financiar representaciones de este tipo. En 1637 se estrenó el primer teatro de ópera en la cosmopolita ciudad mediterránea; el Teatro San Cassiano. Fue también en Venecia donde Monteverdi (L’incoronazíona di Poppea, 1642, e II ritorno d’Ulisse in patria, 1640) continuó su carrera y donde surgieron nuevos compositores, como Cavalli y Cesti.

Desde mediados del siglo XVIIy durante el XVIII, Nápoles se transformó en un centro operístico de primer orden. La escuela napolitana tuvo como maestro indiscutible a Alessandro Scarlatti (1660-1725), y creó dos subgéneros, la opera seria y la opera buffa. La ópera seria fue el que tuvo mayor aceptación. Alternaba Los recitativos para la acción y las arias para la manifestación de los sentimientos de los personajes. La sinfonía operística napolitana era la encargada de la obertura. Hacia 1720 surgió la costumbre de interpretar, en los entreactos de la ópera seria, breves óperas con argumento cómico, a modo de interludios. Surge así la ópera bufa, cuyo contenido dramático fue deudor de la commedia dell’ arte italiana. Su estilo vocal es más sencillo que el de la ópera seria. Pergolesi fue el compositor más déstacado. La serva padrona (1733) es una obra maestra del género, punto de partida de una modalidad que, si bien se concibió como un mero entretenimiento cómico, paulatinamente deviene en comedia de tipo social, que desemboca en la ópera de Mozart y Rossini, a través de una sabia naturalización del desarrollo escénico con la mezcla de elementos de Las óperas seria y bufa.

La primera ópera francesa

La ópera francesa mantuvo su independencia de la italiana desde sus orígenes, con el ballet de cour y la comédie ballet, ambos creados a finales del siglo XVI, y se consoíidó con la tragédie lyrique de Lully, en la siguiente centuria. Este último subgénero, al igual que las comedias barrocas francesas, constaba de cinco actos, recitativos musicales, arias, coros, danzas y una obertura francesa (que en el siglo XIXse impondrá sobre la sinfonía al estilo napolitano).

Como reacción a la llegada a París de la ópera bufa italiana de Pergolesi, en 1752 se creó la opera comique, con textos hablados. La ópera francesa resultó diferente de la italiana; se tendió más a la utilización del recitativo que a la del aria, ésta más breve que la italiana y más simple tanto en ritmo como en estructura (normalmente eran binarias o tenían forma de rondó).

En suma, la ópera había creado a finales del siglo XVIII un número de modelos fijos que se difundieron por toda Europa; mientras que en Francia predominaba la ópera francesa, en el resto de Europa triunfaba lo italiano. Por encima del desarrollo dramático estaban los cantantes, verdaderos divos y virtuosos de la voz.

Ello desembocó en una profunda reforma, que, desde París, protagonizó Gluck; su Orfeo y Eurídice, estrenada en 1762, despojó a la acción del ornato y la suntuosidad barrocas con el objetivo de naturalizar a los personajes y agilizar el desarrollo dramático. La ópera seria adoptó también los dúos, tercetos o cuartetos vocales usados en la ópera cómica, al mismo tiempo que ésta utilizaba personajes hasta el momento coto exclusivo de la ópera seria. Mozart fue, sin duda, el compositor que remató esta interesante mezcla de subgéneros y el que culminó la reforma iniciada por Gluck: las bases de la ópera del siglo XIX estaban sentadas.